La última puerta - Roman Polansky - 1999

A 32 años del bebé de Rosemary, Roman Polansky no teme en volver a invocar a Satanás y en volver a meter a su esposa en el medio. Esta vez, con detectivescos aires de policial negro, y cambiando New York por España, Francia y Portugal, nos vuelve a mostrar en La última puerta (en realidad, es la novena) su estupendo manejo del suspenso. Lo cual no es poco en el cine actual.
 

De por sí, lo que el protagonista hace para comer, es sumamente atractivo. Johnny Depp es Dean Corso, un especie de detective literario, mezcla de joven intelectual y mercenario. Su trabajo, en la teoría es manejar los intereses de fanáticos coleccionistas de libros antiguos y esencialmente caros. Su único fin es lucrar con la diferencia que pueda hacer entre sus adinerados clientes. Uno de ellos es Frank Langella, un profesor amante de Lucifer que posee toda una biblioteca dedicada a ese personaje. Su objetivo es completar una trilogía de libros llamados  "Las nueve puertas del reino de las sombras" y para eso le fantan dos. De esta manera, Corso viajará por Europa -en especial Francia y España, de donde provienen gran parte de los inversores del film-, correrá muchos peligros, verá varios cadáveres y se relacionará, con distinta intensidad, con algunas mujeres muy misteriosas. Tratándose de una "historia de detectives", no es conveniente revelar mas. 

Es una pena que el cine no pueda todavía transmitir olores, ya que de seguro la película se disfrutaría de otra manera pudiendo percibir el aroma de la gran cantidad de bibliotecas misteriosas que aparecen en el film. Como casi siempre, Depp sobresale del resto por su gran desempeño, pero Langella tiene lo suyo...esa voz al teléfono mete miedo. La fotografía, la música, y las locaciones son de lo mas disfrutable, así como también la atmósfera de misterio e intrigra permanentes.
 

Dirección: Roman Polanski
Ficha Técnica: IMDB

Publicado originalmente en www.tljdigital.com

El Padrino - Francis Ford Coppola - 1972

Cálida, amada Y brutalmente violenta. El misericordioso retrato de una familia de rituales y de honor. Una mirada profunda a los caudillos del crimen. El hito de El Padrino trajo al mundo una crónica sin precedentes del asenso de una familia siciliana al dominio del mundo de los gángsters.
 
Caracterizada por la revista Time como "Lo que el viento se llevó" a la italiana, esta obra de dirigida magistralmente por Francis Ford Coppola contó con un elenco que -en su mayoría novatos- pasaría a la historia: Al Pacino, James Caan, Robert Duvall, Diane Keaton, y Talia Shire. El papel de El Padrino, Don Vito Corleone, fue interpretado magníficamente por Marlon Brando.



Según Francis Ford Coppola, "Mi primer contacto con El Padrino fue en el New York Times, donde noté un aviso de un libro llamado The Godfather, de Mario Puzzo, con el llamativo logo del titiritero en su tapa".  Peter Bart, Vicepresidente de producción de Paramount, dice: "Sam Peckinpah, un veterano de estas lides, quería dirigir la película. Sam podía contar los cadáveres, "75 de esos vagos aniquilados en tan solo 20 minutos" decía. En cambio Francis no quería ningún tipo de violencia, solo una crónica costumbrista de una familia italiana dentro del capitalismo americano." Según Robert Evans, el productor de la película, "El Estudio no quería a Coppola, nosotros lo impusimos porque era un italiano de segunda generación, el único en toda la industria en ese momento. Las películas de mafia hasta el momento no habían funcionado porque las escribían y las dirigían judíos. Queríamos oler a spaguetti, y solo un italiano podía hacerlo". 

La Paramount no quería usar un presupuesto muy alto, probablemente por eso contrataron a Coppola, un joven con problemas monetarios que fue absorbido por el estudio. Iban a ambientar el film en los '70 para que fuera realmente barata (1 millón y medio de dólares). La intención era aprovechar el cuarto de hora de la novela y sacarla rápido. Pero a Coppola esto no lo convencía, "En el guión, incluso había hippies. Yo dije que había que ambientarla en los '40. Fue todo un problema, debido al bajo presupuesto."

Había tres actores que tenían pasta para interpretar a Vito Corleone: George Scott, Laurence Olivier y Marlon Brando. Pero para el Estudio, Brando representaba varios problemas: era demasiado joven para el papel, no era italiano y, debido a su fama de extremadamente complicado, nadie quería trabajar con él. "En Paramount me sacaron a patadas cuando solo contemplé esa opción. Igualmente, lo intenté -dice Coppola. El contacto fue a través de Mario Puzzo. Fuimos a casa de Brando con una cámara de 16 mm. Marlon agarró servilletas de papel y se las puso en su boca, "tiene que parecer un bulldog" decía. Además tiene que hablar con esa voz rasposa... eso fue shockeante. Les mostré la cinta a los de Paramount y dijeron "Increíble..." 

Para el rol de Michael Corleone, querían usar a Robert Redford, Warren Beatty o Ryan O'Neill, y Coppola les dijo "no me parecen muy italianos, debemos ver la marca de Sicilia en su rostro. Sugerí a Al Pacino, que era totalmente desconocido. Yo sabía que no lo querían, pero insistí. Las pruebas no sirvieron de mucho. Me dijeron que era muy zaparrastroso, que parecía una rata de canaleta y que no daba para hacer de estudiante universitario. Entonces lo lleve a la peluquería y le dije al peluquero "quiero que le haga un corte de pelo, tiene que volver a la universidad". Alguien le susurró al peluquero que era el tipo que iba a hacer de Michael Corleone en El Padrino y al peluquero le dio un infarto (literalmente). Lo llevaron al hospital y otro tuvo que terminar el corte. En el estudio dijeron "se ve espantoso, parece un bicho". Yo me cansé y les dije : "Yo soy el director, así que si no lo puedo usar, me voy", y Robert Evans, el director de producción de Paramount me repondió "Bueno, usen al enano." Coppola llamó al enano -Al Pacino- quien ya había leído el libro, para una audición.
Para Pacino, "Fue un shock, aunque Francis no fuese un director conocido. Mis emociones estaban mezcladas. Estaba excitado porque era un proyecto enorme, pero la realidad de interpretar ese papel me asustaba." 

Otro que fue sometido a interminables pruebas fue James Caan, en el papel de Sonny: "Un día me llama Francis -cuenta Caan- y me dice que quería que hiciera una prueba. Otra mas! Yo ya estaba cansado de tantas vueltas con El Padrino, además quería trabajar ya y tenía una película en vista. Finalmente fui a Paramount e hice pruebas para prácticamente todos los personajes, estaba asqueado y les dije "métanse la película en el culo" y me fui a Chicago a filmar otra película". Talia Shire, la hermana de Coppola, interpreta a Connie Corleone: "Cuando le pedí a Francis participar de la audición, se negó, no quería tener un problema con el estudio, su trabajo no estaba seguro y lo único que le faltaba era poner a su hermana en la película." Luego de tantas pruebas, la producción aceptó el elenco propuesto por Coppola pero no fue gratis: habían gastado 400 mil dólares que pudieron haber ahorrado si hacían caso a los pedidos del director desde el principio.

Según Francis Ford Coppola, la luz debía ocultar los ojos de Don Corleone, creando una sensación siniestra, manteniendo los interiores oscuros. "Los ojos son un espejo del alma -dice Grodon Willis, director de fotografía de El Padrino-, por eso los ojos de Don Corleone no debian verse. Cuando eso se empezó a ver en la pantalla los que estaban acostumbrados a ver películas de Doris Day se aterraron. Al Estudio tampoco le gustaba en absoluto. Veían la misma escena una y otra vez y no veían a nadie, solo siluetas. No lo supieron apreciar y ese fue el primer síntoma por el que querían echar a Francis, pero ¡Ya habíamos empezado el rodaje!"
El Padrino tiene muchas escenas de violencia, pero una de las que se destaca es el asesinato de Sonny Corleone en el puesto del peaje, inspirada en la extraordinaria matanza de Bonnie and Clyde, la película de Arthur Penn. Sonny era un personaje tan fuerte que sus enemigos no dejarían ninguna chance de dejarlo con vida, por eso la extrema violencia de la escena. Para James Caan todo era desmesurado. "En esa escena estaba muerto de miedo, me cosieron como 150 cohetes en el traje. "Hey, ¡Que divertido es el cine!" pensaba yo. Tenía una cantidad increíble de cables que me salían de la pierna y los tipos de los efectos tenían un tablero con los contactos. De lo único que me acuerdo es al jefe del equipo diciendo "Hice no sé cuantas películas y nunca le puse tantos cohetes a nadie". Me alegró mucho oír eso." La escena de la cabeza del caballo en la cama fue muy polémica, la gente parecía sorprenderse mas por el hecho de que hubiera una cabeza de caballo a que hubiera 3 docenas de personas brutalmente asesinadas en la película.

"El estudio no quería filmar la muerte de Corleone -cuenta Coppola. Solo querían un funeral y listo. Un día, nos estabamos por ir a comer, se estaba yendo la luz y Brando me dijo "intentemos algo, un jueguito que hago con los niños". Puse dos cámaras en el jardín y Marlon hizo un juego con su nieto en la ficción, en el que realmente lo asustó, el nene se puso a llorar. Luego, Vito lo consuela y después se cae desplomado, muerto. Esa escena nunca se habría filmado de no ser por él. Junto a Rick, el personaje de Humphrey Bogart en Casablanca, Don Vito Corleone de Marlon Brando debe ser el personaje más imitado en la historia del cine. Líneas de diálogo como "Le haré una oferta que no podrá rechazar", han obtenido status de leyenda. En cuanto a Michael Corleone, su transformación de "chico universitario inocente" a "el nuevo Don Corleone" se liga directamente a la tragedia Shakespeariana o Griega. Finalmente, este hombre que decía ser diferente del resto de su familia, se vuelve más rudo que su propio padre. Para Al Pacino, su personaje de Michael "es el más dominante de todos los que actué y supongo que si soy recordado de alguna manera, probablemente será por este personaje." El escritor de la novela, Mario Puzzo, defiende a sus personajes y a su obra describiéndola como "una gran combinación, una historia familiar y una historia criminal. Muchas veces vemos a los personajes como buena gente, como buenos padres de familia, buenos tipos, excepto que cometían asesinatos de vez en cuando".

Cuando pasan los títulos finales de El Padrino, solo una parte de la historia ha sido contada. La última imagen que vemos, el gesto de sorpresa de Kay (Diane Keaton) al ver como le cierran la puerta en la cara para venerar a su joven esposo, el nuevo Padrino. Estos dos planos, acompañados por la inolvidable composición de Nino Rota, nos deja una cicatriz que solo El Padrino parte 2, podrá curar. Raramente se puede decir que una película define un género, pero nunca será mas cierto que en el caso de El Padrino. Desde entonces, todas las películas de gángsters -desde Buenos Muchachos, Casino, Scraface, Los Intocables y Carlito´s Way, Perros de La Calle, Pulp Fiction, Miller´s Crossing, Donnie Brasco, entre otras- han sido juzgadas por los standarts marcados por la obra de Coppola.

"En realidad -dice Coppola- nadie sabe si una película es buena o mala, salvo si pasa la prueba del tiempo, ahí sabremos si es grande o no." 

Dirección: Francis Ford Coppola
Ficha Técnica: IMDB

Publicado originalmente en www.tljdigital.com

 

Cine y Jazz - Tercera parte - 1971 - 2000

SE CONSOLIDA LA RELACIÓN

Finalmente, la industria cinematográfica en los años sesenta, asume definitivamente al jazz como miembro de su familia. Compositores procedentes del jazz (Henry Mancini, Johnny Mandel, Lalo Shifrin, Quincy Jones o Dave Grusin) se especializaron en la composición de música para cine. En estas últimas décadas, las dos artes parecen haber encontrado definitivamente un espacio juntas, especialmente con la colaboración de importantes directores y productores de cine, a la vez fanáticos jazz. Entre los casos mas destacados, se encuentran los de Martin Scorsese (New York, New York, 1977), Francis Ford Coppola (Cotton Club, 1984), Bertrand Tavernier (Round Midnight, 1986), Clint Eastwood (Bird, 1988), Spike Lee (Mo’ better blues, 1991) Robert Altman (Kansas City, 1996) y Woody Allen (Dulce y Melancólico, 1999).

PLAY MISTY FOR ME - CLINT EASTWOOD - EE.UU. - 1971
Primera película del director y gran aficionado al Jazz Clint Eastwood y cuya banda sonora original es de Erroll Garner. Eastwood interpreta a un disc-jokey radiofónico perseguido por una admiradora ansiosa por escuchar una y otra vez el disco de Garner. Es admirable la forma en que el director maneja el suspenso.

LADY SINGS THE BLUES - SIDNEY J. FURIE - EE.UU. - 1972
Basada en la autobiografía de Billie Holiday y protagonizada por Diana Ross. El sello Motown fue parte de los inversores de la película

BLAZING SADDLES - MEL BROOKS - EE.UU. - 1974
Banda sonora grabada por la orquesta de Count Basie, que también aparece en la pantalla. 

 

NEW YORK, NEW YORK - MARTIN SCORSESE - EE.UU. - 1977
Una cantante y un engreído saxofonista se tienden a duelo durante toda la película. Excelente dirección a cargo del gran Scorsese, con Minelli y De Niro recreando grandes clásicos del jazz. En este video vemos la relación entre ambos

THE BLUES BROTHERS - JOHN LANDIS - EE.UU. - 1980
A los 73 años, Cab Calloway recibió un significativo homenaje del cine en una absurda comedia de blues, soul y rock n’ roll. Desopilantes, zarpados, desubicados, pero muy caraduras. Eso son los Blues Brothers, junto a estrellas como James Brown, Ray Charles y John Lee Hooker. "Shake your tail feather" es mi momento favorito de la peli.

COTTON CLUB - FRANCIS FORD COPPOLA - EE.UU. - 1984
Coppola se vuelve a meter con la mafia, pero con un soundtrack mas jazzero. Magnifica película ambientada en el Cotton Club, un elegante reducto en Harlem. Epoca de gángsters, drogas, alcohol y Jazz, que Coppola, reconstruyó minuciosamente.

ROUND MIDNIGHT - BERTRAND TAVERNIER - Francia - 1986
Otra reconstrucción, esta vez del famoso club "Blue Note" de Paris. Cuenta la historia de un saxofonista negro norteamericano en Paris en la década del 50. "Dale Turner,", tal el nombre del personaje principal, se basó en Lester Young. Quien lo interpretó, el saxofonista Dexter Gordon fue nominado al Oscar como mejor actor, y ganó el Grammy por el soundtrack "The Other Side of Round Midnight", en la categoría Best Instrumental Jazz Performance. El solista de piano, Herbie Hancock, ganó el Oscar por mejor música en un film y original score.
Aca va la peli completa

BIRD - CLINT EASTWOOD - EE.UU. - 1988
¡Al fin! Por primera vez, una película que recoge con meticulosidad, rigor histórico y sin concesiones a “lo comercial" la vida de uno de los genios del jazz: Charlie Parker. Gracias a esta película, un buen número de personas han podido descubrir la obra de Bird. Descollante actuación de Forrest Withaker, enorme Clint Eastwood en la dirección. Comparto con ustedes un momento en el que cualquier fanático de la música sueña estar: dentro del estudio de grabación

MO’ BETTTER BLUES - SPIKE LEE - EE.UU. - 1991
Una buena película basada en la vida de Winton Marsalis. Gran director (Lee) y gran actor (Denzel Washington).

The Bridges of Madison County - CLINT EASTWOOD - EE.UU. - 1994
Gran película de Eastwood con una portentosa banda sonora repleta de jazz intimista y rescatando al vocalista Johnny Hartman.

Jazz 34 - Kansas City - ROBERT ALTMAN - EE.UU. - 1996
Ambientada en la ciudad de Kansas City, este director de estilo tan personal, retrata toda una época, partiendo con una Jam Session con (actores interpretando a) Lester Young y Coleman Hawkins. 

SWEET AND LOWDOWN - WOODY ALLEN - EE.UU. - 1999
Dulce y Melancólico narra la biografía de un personaje inventado por Allen, Emmet Ray, un gran guitarrista de gypsy swing a la sombra de Django Reinhardt.  

De acá se pueden descargar el soundtrack

CALLE 54 - FERNANDO TRUEBA - España - 2000
Un recorrido por el jazz latino. Fernando Trueba escogió a sus músicos favoritos para este proyecto y se dedica a mostrarlos con todo su arte y poderío. Con actuaciones y testimonios de Chano Domínguez, Paquito D’Rivera, Jerry González, Tito Puente y otros. Es el unico documental que me permito incluir, pues me parece una obra cumbre.