Cine y Jazz - Segunda Parte - 1958 - 1969

FRANCIA SERA LA CLAVE

En la primera entrega de este informe, detallamos cómo Hollywood desaprovechó al jazz en los comienzos del cine sonoro. Será recién en el cine francés donde primero se utilice esta música en serio, a finales de los 50. Con la revolucionaria corriente denominada "Nouvelle Vague", el jazz fue usado como fondo dramático de los filmes. La punta del iceberg de ese cambio, fue "Ascenseur pour L'échafaud" de Louis Malle (1957), cuya banda sonora estuvo a cargo de Miles Davis. También el jazz actuó de ambiente para gran parte del cine negro, tanto francés como americano, en especial gracias a Art Blakey y sus Jazz Messengers, que participaron de varias películas francesas del film noir.


ASCENSEUR POUR L'ÉCHAFAUD - LOUIS MALLE - Francia - 1957
En un aparte de su carrera discográfica, Miles Davis de gira por Europa, es invitado por el cineasta francés Louis Malle para que le ponga música a la película que está dirigiendo. Miles acepta el encargo y después de visionar la cinta una sola vez, hace que se la vuelvan a pasar y de un tirón graba la música sobre las imágenes de la película. El resultado es sorprendente.

DES FEMMES DISPARAISSENT - EDOUARD MOLINARO - Francia - 1958
En este film, además de Art Blakey está la trompeta del genial Lee Morgan.

I WANT TO LIVE - ROBERT WISE - EE.UU. - 1958
Magnifica película de cine negro americano. El film abre con una banda tocando en vivo, compuesta por Art Farmer (trompeta), Frank Rosolino (trombón), Bud Shank (saxo alto), Gerry Mulligan (saxo barítono), Pete Jolly (piano), Red Mitchell (contrabajo) y Shelly Manne (batería).

LES TRICHEURS - MARCEL CARNÉ - Francia - 1958
Aquí participan de la banda sonora Coleman Hawkins, Dizzy Gillespie, Lionel Hampton, Stan Getz, Roy Eldridge y Mezz Mezrow. Imperdible.

ST LOUIS BLUES - ALLEN REISNER - EE.UU. - 1958
Hollywood, siguiendo con lo biográfico, convoca a Nat King Cole, para interpretar al legendario William. C. Handy.

THE SUBTERRANEANS - RONALD McDOUGALL - EE.UU. - 1959
Gerry Mulligan participo con su grupo en esta película basada en la novela de Jack Kerouac como actor y músico.

SHADOWS -JOHN CASSAVETES - EE.UU. - 1959
El padre del cine independiente norteamericano, utiliza una gran banda sonora en una película de gran intensidad. Las emociones humanas, un tema permanente en la filmografía de Cassavetes, ambientadas con Jazz. Cassavetes filmó la película 2 veces shot the film twice, en 1957 y en 1959. La segunda versión es la favorita del director. La idea de Cassavetes era que la primera versión tubiera música de Charles Mingus, pero el contrabajista nunca se presentó en el estudio. Finalmente, el encargado del soundtrack fue Shafi Hadi, el saxofonista de Mingus.

ANATOMY OF A MURDER - OTTO PREMINGER - EE.UU. -1959En este excelente policial negro, James Stewart interpreta a un detective que tambien es pianista de jazz. La banda sonora esta a cargo de Duke Ellington que en una escena toca el piano junto a Stewart.

EL CENICIENTO - FRANK TASHLIN - EE.UU. - 1960
La Orquesta de Count Basie grabó la Banda sonora de esta película.

PARIS BLUES - MARTIN RITT - EE.UU. - 1961
Esta vez, la Banda sonora la realizó Duke Ellington.

THE COOL WORLD - CHIRLEY CLARKE - EE.UU. - 1963
Banda sonora a cargo de Dizzy Gillespie

HELLO DOLLY! - GENE KELLY - EE.UU. - 1969
Una hermosa comedia musical de calidad con Louis Armstrong como estrella invitada.

Próxima entrega: Se consolida definitivamente la relación de la mano de directores como Martin Scorsese, Woody Allen, Robert Altman y Clint Eastwood.

Memento - Christopher Nolan - 2000

A simple vista, Memento cuenta la historia de Leonard Shelby, un hombre que quiere vengar el asesinato de su esposa. Hasta ahí, nada nuevo. Pero si a eso le agregamos que la memoria de ese ese hombre apenas se remonta a lo que le ocurre unos instantes previos y que el film está contado en sentido cronológicamente inverso, ahora si, estamos ante una película fuera de lo común.
 

Al igual que El Ciudadano Kane, la película empieza por el final y luego se presenta como un difícil y exigente rompecabezas, que no nos permitirá distraer ninguno de nuestros sentidos de la pantalla durante mas de un segundo. La condición del personaje de Leonard (Guy Pierce), esta pérdida de memoria del corto plazo, permite al guionista Johnathan Nolan (nominación al Oscar) hacer absolutamente lo que quiera, ya que desde esa propuesta, todo lo que le pase al protagonista será verosímil. Su intención es vengar una muerte, y para eso, debe sostenerse en herramientas que reemplacen esos recuerdos que lo ayuden a dirigir sus acciones: notas en papeles, en las paredes, o en su propio cuerpo (tatuajes) y una polaroid. Sin embargo, a medida que pasa la película, el espectador se va dando cuenta que lo difícil que le resulta a Leonard distinguir los aliados de los enemigos.

Esta obra de los hermanos Nolan (Christopher el director, Jonathan el guionista y autor del cuento), fue realizada con una bajísimo presupuesto, y se nota. Memento esta filmada casi íntegramente con cámara en mano, pocas locaciones, un par de autos, no mas de diez personajes, parte de su pietaje en blanco y negro y un montaje demoledor (también nominado al Oscar) pero es inevitable destacar el original guión y las excelentes actuaciones. El protagonista, Guy Pearce (Los Angeles al desnudo) cumple un trabajo grandioso transmitiendo aires misteriosos y rondando por las calles como Kung Fu, en busca de su venganza. Los secundarios, Carrie Ann Moss (The Matrix) esta fascinante y putea de lo lindo, y Joe Pantoliano (The Matrix) despierta todo tipo de sentimientos a lo largo del film.

Por lo tanto, simplemente calificamos a esta obra como IMPERDIBLE.

Direcctor: Christopher Nolan.

Ficha Técnica: IMDB

Publicado originalmente en www.tljdigital.com

Perros de la Calle - Anecdotario

Toda la película gira en torno a un evento que no se ve: el robo a una joyería. Gran parte del film transcurre en un galpón en donde los malhechores se reúnen después del frustrado asalto. En 1991, el joven Quentin Tarantino busca desesperadamente llevar a la pantalla su policial negro Perros de la Calle (Reservoir Dogs). Con claras reminiscencias a Casta de Malditos, de Stanley Kubirk, mas algo de Sam Pekimpah, John Woo, y mucho cine Hong Kones, Tarantino y su amigo Lawrence Bender llegan con el guión hasta el productor Monte Hellman. Dos meses después, llega el milagro: Harvey Keitel escucha  acerca del proyecto y quiere ser parte de el. A continuación, reproducimos algunas declaraciones de los protagonistas de este film que marcó a fuego la década del 90.
 

Harvey Keitel (actor y productor): Lo que me gustó del guión fue que ofrecía una nueva manera de ver ciertos temas clásicos, como la traición, la camaradería, la confianza y la redención. Me impresionó especialmente el código hemingwaiano que regía a los personajes en un mundo sin sentido. Así que llamé a Bender y le dije que estaba dispuesto a ayudarlos.
 

Quentin Tarantino (guionista, director y actor): De golpe, ya no éramos mas dos pibes ignotos con un guión...éramos la banda del nuevo proyecto de Harvey Keitel. Por supuesto yo me sabía de memoria cada una de sus líneas en Calles Peligrosas y Taxi Driver. Pero para qué mentir: no escribí el papel para Harvey. Siempre pensé que terminaría haciéndolo mi tío Pete o algún amigo. 

Monte Hellman (productor ejecutivo): Se empezaron a barajar nombres para el elenco. George Clooney, por ejemplo, Samuel Jackson, y James Woods, son algunos de los que fueron una opción.
 

James Woods (actor): Los productores llamaron a mi agencia y pero los hijos de puta de la agencia nunca me avisaron porque no querían que yo aceptara ningún papel por menos de cincuenta mil.
 

Steve Buscemi (actor): En los ensayos, todo se charlaba, todo se probaba para ver adonde desembocaba. Fue uno de los mejores ensayos de prefilmación de toda mi carrera.
 

Edward Bunker (Ex convicto, escritor de novelas policiales y actor): Toda la parte criminal es sencillamente ridícula. Todo eso de los tipos vestidos igual, tomando el desayuno en un fast food, hablando de Madonna...y ni hablar del delirio de Mister Pink y esas estupideces...creo que todo esto demuestra a las claras que Quentin no tiene la menor idea de cómo es el mundo del hampa. 

Michael Madsen (actor) en referencia ea la escena en que tortura a un policía y termina arrancándole la oreja: Creo que todo aquel que haya tenido que pisar una comisaría o soportar la prepotencia policial tiene que haber disfrutado al menos un poquito con la escena, en algún rincón de su mente. Metí a Kirk (el actor que interpretaba al policía torturado) en el baúl del auto y salí a dar una vuelta. Me pareció una buena idea, no solo porque a Kirk le serviría para saber lo que se siente al ir en el baúl de un coche, sino que a mi también me serviría para saber lo que se siente al llevar a alguien en el baúl. Anduve dando vueltas mas de media hora. Me metí por unos callejones llenos de baches, e iba con la radio a todo volumen, completamente metido en el personaje.
 

Quentin Tarantino: En el festival de Sitges, durante la escena de la tortura, Wes Craven se levantó de su butaca y salió de la sala. ¡El tipo que hizo Pesadilla! Y Suart Gordon, el director de Reanimator se tapó los ojos. Decir que a uno no le gusta la violencia en el cine es como decir que no le gustan las escenas musicales o los gags de comedia. Al que no le guste, que no vaya y listo. 

Director: Quentin Tarantino

Ficha Técnica: IMDB

Publicado originalmente en www.tljdigital.com

Entrevista a Alfred Hitchcock

Basados en una compilación de declaraciones y escritos que el genial director inglés Alfred Hitchcock hizo entre 1936 y 1965, me tomé la libertad de soñar por un rato e imaginar cómo sería una charla con el maestro. Mas que un reportaje, funcionaría como una clase de cine, sobre todo, teniendo en cuenta las respuestas. Bienvenidos al sueño.

Nuestra primer pregunta esta referida a su gran legado: ¿Qué es el Suspenso?
Alfred Hitchcock: El suspenso es el medio mas poderoso de captar la atención del público. Su creación se basa en cómo administramos la información. El público debe saberlo todo desde el principio, no debe haber ni un solo detalle que intrigue a los espectadores. Los personajes, en cambio, no deben saber nada. El hecho de que los espectadores observen a los actores moviéndose alegremente junto a la persona que ellos ignoran es el asesino, en un ambiente cargado de maldad, es el origen del verdadero suspense. En síntesis: hay que transformar la pregunta "¿Qué ocurrirá ahora?" por la de "¿Ocurrirá ahora?". ¡Pero cuidado! Cuando los personajes no son creíbles nunca se consigue auténtico suspense, solo sorpresa. Vale aclarar que difícilmente el hecho de presentar al público un misterio a resolver sea la esencia del suspenso.

¿Esto tiene algo que ver con que sus personajes son casi siempre personas comunes?
A.H.: Por supuesto. Para que los espectadores sientan ansiedad, suspenso, y cualquier emoción que deseemos, hay que presentar en la pantalla un héroe con el que se puedan identificar.

¿Si la gente se impresiona, entonces nuestro objetivo está cumplido?
A.H.: En algunos casos, si. La Ventana Indiscreta, por ejemplo, es muy angustiosa. Las espectadoras americanas gritaban y no podían soportar la angustia de este film. Ello me hace muy feliz, me divierte mucho.

¿Cómo surgen las ideas para sus películas?
A.H.: A menudo elijo primero los fondos y luego pienso en la acción de la historia. Así lo hice en El hombre que sabía demasiado. Visualicé las montañas cubiertas de nieve de los Alpes y los mal iluminados callejones de Londres y puse la historia y los personajes en mitad de todo eso. 

¿Usted tiene un manejo muy personal del sonido ¿Cómo influyó en su cine, el paso del cine mudo al sonoro?
A.H.: Al principio, no hubo grandes cambios. Una película tiene que ser visualmente interesante. A lo largo de toda mi filmografía elegí contar las historias haciendo énfasis en las imágenes y ubicando el sonido ambiente, la música y los diálogos en ese orden de importancia. A tal punto que si por casualidad se rompiera el equipo de sonido de la sala, el público no se pusiera nervioso ni se inquietara, porque la acción visual seguiría reteniéndolo.

Constantemente usted hace énfasis en la reacción del público ¿Se puede decir que su cine es comercial?
A.H.: Desde luego.

¿Le resulta fácil hacer cine comercial?
A.H.: Los films comerciales son difíciles para mi porque constituyen un perpetuo compromiso, y es mucho mas fácil hacer un film sin compromiso. Me interesaría mucho mas rodar a Dostoievski, Crimen y Castigo, por ejemplo, sería muy fácil para mi.

Eso quiere decir que usted no le da mucho valor al contenido de las películas ¿No es así?
A.H.: Es posible. La mayoría de la gente, los críticos, hacen sus criticas fijándose solo en el contenido. No me importa de qué trate la película. ¡Ni siquiera se quien estaba en el avión que atacaba a Cary Grant! No me importa eso, siempre y cuando el público experimente emoción.

¿Y el misterio en las películas?
A.H.: No me interesa el misterio en el sentido mas convencional del cine comercial. Me atrae mucho mas el misterio que se desarrolla a plena luz del día, como la escena en que Cary Grant es atacado por el avión fumigador en medio de la ruta en Intriga Internacional.

¿Hubo gente que le molestó la violencia en Psicosis?
A.H.: Si, mucha gente. Esto se hizo con toda intención, porque a medida que avanzaba el film, la violencia se reducía y se iba transfiriendo a la mente del público. Es decir, violencia implícita. Esto, gracias al primer impacto (violento). 

¿Qué significó eso para usted matar a la estrella del film pasados solo 40 minutos de película?
A.H.: Significó dos cosas: engañar a la gente y divertirse. Le explico por qué. Psicosis esta diseñada ante todo para engañar al público, que creía que la historia era sobre una chica que robaba 40 mil dólares. ¡Pero de repente, esa chica es asesinada a puñaladas por un travesti psicótico! Además, como es sabido, la película fue realizada en poco tiempo, con poco dinero y con mi equipo de televisión. Psicosis es un film que hice con cierto sentido de diversión por mi parte. Hacemos que el público siga un recorrido, como si les llevásemos por la casa encantada de la feria. Todo estaba tramado de tal modo que produjese determinada emoción en el público.

Si su versión de Psicosis es "divertida", ¿Cómo hubiera sido la versión seria?
A.H.: Si la hubiéramos hecho en serio, no se presentaría como un misterio Probablemente la auténtica historia no habría sido nada emocionante, sino terriblemente cínica.

¿Qué importancia tiene la técnica en su cine?
A.H.: Mucha importancia, desde luego, pero nunca mas de la debida. Una película no es un escaparate para exhibir técnicas, es mas bien el modo de contar una historia en la cual las técnicas, la elegancia, el virtuosismo de la cámara y todo lo demás, debe estar subordinado o relacionado cuando se inserta en la dinámica de la historia. El público está interesado en que los personajes se encarnen en la pantalla y en que la maestría del director les haga estar atentos. La técnica que llama la atención sobre si misma, es pobre. La señal inconfundible de una buena técnica es que pase desapercibida.

Usted tiene una visión bastante afianzada del desempeño de los actores ¿Cómo debe ser un actor para que sea dirigido por Hitchcock?
A.H.: Debe ser mucho más plástico, someterse a ser utilizado por el director y la cámara. Debe comportarse tranquila y naturalmente (lo que no es nada fácil, por cierto), y permitir que la cámara agregue la mayoría de los acentos y énfasis. Casi debería decir que el buen actor cinematográfico es aquel que no puede hacer nada demasiado bien.

¿Cuál es la función del director?
A.H.: La dirección de películas nació cuando un hombre tomó una cámara de cine por primera vez y volviéndola hacia su amigo le dijo "Haz algo". La mitad del trabajo de la dirección debería llevarse a cabo en el guión. El manejo de las imágenes por parte del director es lo que crea el estado de ánimo y las emociones en el público. Dirigir es tomar decisiones. Lo importante es que el director tome decisiones cuando sean necesarias y trabaje con la menor cantidad de reglas posibles. Cuantas menos reglas tengas, menos tiempo necesitarás para comprobar que ya no sirven.

¿Cómo es Alfred Hitchcock dentro del set?
A.H.: No miro jamas por el visor de la cámara. Tomo el lápiz y dibujo el plano siguiente para que lo vea el operador jefe si existe alguna dificultad. Mi film esta terminado antes de rodarse. Por eso tardo tanto en terminar los guiones. En cuanto al estilo cinematográfico, le doy gran importancia, pero nunca mas de la debida.

¿Y cómo es Alfred Hitchcock fuera del set?
A.H.: Como sus personajes. Soy un hombre común, un hombre sencillo, con mucho temor de Dios.

¿A qué directores de cine admira?
A.H.: Siento profunda reverencia por el alemán Murnau, a quien vi trabajar en Berlín. Pero quizás el mejor realizador que haya existido haya sido el americano David W. Griffiih, a quien no conocí, pero vi todas sus obras. Griffith fue el padre del suspenso en el cine. Fue él quien empezó a disponer los fragmentos de película en una secuencia y con un ritmo determinado -luego conocido como montaje- y contribuyó casi mas que ningún otro a la definición de la técnica cinematográfica. Como dato interesante, Griffith nunca utilizó guión.

¿Qué es el cine?
A.H.: El cine es el instrumento mas poderoso que conozco, capaz de generar las mismas emociones en un habitante de Japón, de Alemania o de Brasil. Técnicamente, la película pura, el cine puro, consiste en fragmentos de película ensamblados. Ninguno de los fragmentos individuales es nada. Pero su combinación crea una idea. Un plano de una película es como una pieza de mosaico.

¿Qué consejo fundamental le daría a jóvenes cineastas?
A.H.: Yo me formé en el cine mudo, y eso me sirvió de mucho. Los jóvenes deberían mirar mucho cine mudo y analizar sus técnicas, fundamentalmente deberían probar contar una historia solo con imágenes.

Hearts of Darkness: A Filmmaker's Apocalypse - 1991

En 1991 fue editado un documental que mostraba el infierno por el que Francis Coppola, su equipo, y sus actores, debieron pasar durante la realización del film "Apocalypse Now" en Filipinas. El documental esta integrado fundamentalmente por imágenes capturadas por Eleanor, la esposa de Coppola. "Apocalypse Now" fue estrenada en 1979 y reestrenada bajo en nombre "Redux" en 2001 y representó una verdadera batalla para el director. En un principio Coppola estuvo en la quiebra económica debido a haber invertido gran parte de su propio patrimonio (casi todas ganancias de las dos entregas de El Padrino) en este proyecto. Los excesos creativos de Coppola y las pretensiones de un elenco muy difícil de manejar representaron el desborde de un presupuesto estipulado en 13 millones de dólares por Paramount, que terminó en 31 millones. Finalmente la recaudación sería de 150 millones de dólares, hecho que dejó a Coppola muy tranquilo y orgulloso. 

Se cuentan infinidad de anécdotas de ese rodaje interminable en Filipinas ... que en la escena inicial de Willard frente al espejo, Martín Sheen estaba tan drogado que realmente destrozo el espejo con su puño, y que la sangre que se desparrama por las sábanas no es de utilería. El ataque al corazón de este mismo actor que retrasó el rodaje durante algunas semanas y muchas otras. En esta entrada rescatamos algunas de las anécdotas volcadas en el documental.


EL CASTING
Coppola le ofreció el papel del Captain Willard en primer lugar a Steve McQueen pero este no aceptó. Luego a Al Pacino, pero el actor contestó que no podría soportar 17 semanas en la jungla. Ya se había enfermado durante el rodaje de El Padrino Parte II en la República Dominicana. Por último, le ofreció el papel a otro "ex - Padrino", James Caan y luego a Jack Nicholson. Finalmente se decidió por Harvey Keitel. Luego de una semana de filmación en Filipinas, Coppola echó a Keitel y lo reemplazó por Martin Sheen. El papel de Kurtz fue ofrecido a Robert Redford, Gene Hackman y nuevamente a Nicholson, antes que Coppola eligiera a Brando.

EL PODER DE BRANDO
Debido al sobrepeso de Marlon Brando muchas escenas originalmente escritas en el guión, no pudieron ser filmadas. Coppola reescribió las partes de Kurtz junto al actor y ambos se pusieron de acuerdo en que el personaje debía permanecer como una figura misteriosa. Los diálogos de Kurtz fueron escritos por Brando, que había compuesto un monologo de 45 minutos para su personaje. Muy poco de este material fue usado en el corte original de la película.

EL SET Y LA GUERRA
La película fue rodada en Filipinas, desde marzo de 1976 hasta mayo de 1977, en Baler y Pagsanjan. El lugar fue elegido por la similitud con Vietnam y la disponibilidad del equipamiento militar ofrecido en alquiler por el gobierno local. En ese momento había una guerra civil en el territorio, y el equipo aéreo usado en la película era solicitado a veces para entrar en batalla. En mayo del 76, un tifón obligó a la producción a suspender el rodaje por un mes.  

DECLARACIONES DEL DIRECTOR
"Mi película no es sobre Vietnam. Mi película es Vietnam."
"Había momentos en los que pensaba que iba a morir. Literalmente, por mi inhabilidad para solucionar los problemas que tenía."
"Teníamos acceso a tanta plata y equipo... construíamos villas enteras en la selva e instantáneamente el clima las destruía, y nos volvíamos locos. Eventualmente me di cuenta de que yo no estaba haciendo la película. La película se estaba haciendo sola - o mejor dicho, la Jungla la estaba haciendo por mi. "

DE LA NOVELA AL GUIÓN
El guión fue escrito por primera vez por John Milius en 1969. Francis Coppola lo empezó a reescribir en 1975 y nunca dejó que Millus visitara el set en Filipinas. Esta basado en la novela de Joseph Conrad, "Heart of Darkness" de 1902. Orson Welles también planeó hacer una película basada en esta novela, pero fue cancelada por los Estudios Mercury.

NOMBRE DE LOS PERSONAJES
Hay algunos nombres interesantes en la película: El General Corman y el Coronel Lucas son referencias obvias a Roger Corman y George Lucas. Lance B. Johnson puede ser Lyndon B. Johnson, presidente de los Estados Unidos.

Apocalypse Now
Dirección: Francis Ford Coppola
Ficha Técnica: IMDB

Hearts of Darkness: A Filmmaker's Apocalypse
Dirección: Fax Bahr, George Hickenlooper, Eleanor Coppola
Ficha Técnica: IMDB

Publicado originalmente en www.tljdigital.com