STANLEY KUBRICK

RETRATO DE UN GENIO
Stanley Kubrick nace en Bronx, Nueva York el 26 de Julio de 1928. A los doce años su padre le transmite su pasión por el ajedrez, del que se convierte en un especialista y al que muchos atribuyen su meticulosidad y cerebralidad. A los 13, comienza a tocar la batería, focalizando su gusto por el jazz, y su padre le regala una cámara fotográfica iniciando su pasión por la imagen. Kubrick fotografía todo lo que se cruza hasta que un día, decide vender sus fotos a la revista Look. A los 17, entra como fotógrafo estable de la revista.

Hasta los 21 años se dedica a viajar por toda Norteamérica siendo uno de los fotógrafos más prestigiosos y mejor pagos. Todos estos viajes abren sus ojos y su hambre por el conocimiento. Ingresa como oyente a la Universidad de Columbia, visita asiduamente el Museo de Arte Moderno, y comienza a participar en torneos de ajedrez, que le reportan ganancias.

LOS PRIMEROS CORTOS
En 1950, con 23 años, decide hacer su primer cortometraje. Con la ayuda de 3.900 dólares ahorrados, Kubrick filma DAY OF THE FIGHT con una cámara de 35 milímetros marca Eyemo que aprende a manejar en una mañana en la Camera Equipment Company. Un empleado de esa empresa que le alquila el equipo, le enseña a empalmar, a cortar y a usar el sincronizador. La película es vendida a la RKO por 4.000 dólares cumpliéndose el sueño de cualquier realizador primerizo: que su película sea exhibida públicamente. El corto, de 16 minutos de duración, es sobre el boxeador Walter Cartier. Como enseñanza de esos primeros años, Kubrick nos dice que "lo mejor que pueden hacer los jóvenes realizadores es conseguir una cámara y hacer una película de cualquier tipo". 

Su siguiente documental, FLYING PADRE, de 9 minutos, trata sobre un cura que vuela 400 millas en un Piper. Kubrick una vez mas, es director, fotógrafo, sonidista y editor.

Su primer film en color es un encargo: un documental de 30 minutos llamado THE SEAFARERS.

LARGOMETRAJES CON DINERO PRESTADO
En 1953 pide prestado 13 mil dólares a su familiares y amigos para financiar su primer largo: FEAR AND DESIRE. Ese mangazo de 13 mil, se convierte en uno de 40 mil, esta vez para hacer KILLER'S KISS.

Para 1956, el cine ya le empieza a reportar ganancias. Kubrick salda sus deudas al conocer al productor James Harris, que lo lleva a Hollywood para realizar su primer película de Estudio: THE KILLING, conocida como Casta de Malditos. Kubrick cuenta con 320 mil dólares de presupuesto y un notable elenco para esa época. 

La primera novedad en The Killing es que Kubrick tiene a su disposición los servicios de Lucien Ballard, uno de los mas experimentados Directores de Fotografía de ese momento. El trabajo produce uno de los mas interesantes ambientes visuales que se pueden hallar en un policial negro. La calidad del blanco y negro logrado por Ballard contribuye para añadirle a la historia un tono sórdido y deprimente que va muy bien con el estilo visual y narrativo impuesto por el director Kubrick. Además de esto, Kubrick realiza un interesante experimento de montaje, retrocediendo repentinamente en el tiempo para mostrar los preparativos del asalto desde los diversos puntos de vista de sus protagonistas.

Así como este film demostró la habilidad de Kubrick de imitador, mencionando Rashomon, de Kurosawa, seis años antes, Quentin Tarantino haría lo propio 35 años después, con su opera Prima Perros de la Calle. En The Killing se solidifican las cualidades de Kubrick respecto al encuadre y a la presentación especial de sus escenas, todo esto reforzado por la iluminación dura y constante de Ballard.

LA PRIMER OBRA MAESTRA
Kubrick conoce al novelista Calder Willingham, mientras preparan un guión para The Burning Secret, pero el proyecto nunca se concreta. No obstante, la sociedad de Kubrick con Willingham, junto con Jim Thompson, deriva en el guión de PATHS OF GLORY (en castellano, Senderos de Gloria, aunque es conocida como La Patrulla Infernal). Todos los estudios rechazan el proyecto hasta que Kirk Douglas acepta protagonizarla. El resultado: el primer clásico de Kubrick, y una de sus mejores películas.
Con un presupuesto de 935 mil dólares, el film es realizado en Munich, Alemania. Paths of Glory registra el primer encuentro serio de Kubrick con la censura, en este caso, la del gobierno francés, que se opone a que la película se filme en Francia por la mala posición en que queda su ejército en la historia. El director de fotografía Georges Krause y Kubrick optan por trabajar el blanco y negro para obtener un rango mucho mas amplio de grises, y con menor contraste. Este tratamiento fotográfico le da un aire totalmente convincente al ambiente de las trincheras y, en particular, a la secuencia del asalto al Hormiguero. Esta es filmada por Kubrick de una forma típicamente meticulosa: "Para esta secuencia utilizamos seis cámaras, una detrás de otra, sobre un largo riel que corría paralelo al ataque. Yo mismo opere una Arriflex con un lente zoom para concentrarme en Kirk Douglas".

 


Luego de esto, Kubrick pasa los dos años siguientes trabajando en dos guiones que no se llevarían a film: I Stole 16 Million Dollars, sobre la guerrilla sudamericana y One Eyed Jacks, un film que Marlon Brando decidiría dirigir el mismo.

POR ENCARGO
In 1959, Kirk Douglas produce ESPARTACO. El director Anthony Mann es despedido dos semanas después de comenzado el rodaje y Douglas le ofrece a Kubrick el puesto. Con un costo de 12 millones de dólares, Espartaco gana el Globo de Oro a la mejor película y reporta ganancias por 13 millones.

Kubirk: "Espartaco fue el único film sobre el cual no tuve control, y creo que esto no ayudo al resultado final. Obviamente, yo dirigí a los actores, compuse las escenas y edite el film de manera que, dentro de la debilidad del argumento, trate de hacerlo lo mejor posible". La película contó con la última tecnología, ya que fue filmada en Super Technirama 70 y editada en 6 canales de audio. Mas allá de ser una película por encargo y no ser 100% Kubrick, Espartaco sirvió para que mucha gente conozca a este nuevo director.

LOS SESENTA
En esta década Kubrick lleva a la pantalla a la controversial novela de Vladimir Nabokov, LOLITA, sobre un el affair entre un adulto (James Mason) y una adolescente. Kubrick ya establecido en Londres, muestra una particular fascinación por la Guerra Fría y filma DR. STRANGELOVE, mezcla de comedia con ciencia-ficción. La película, protagonizada por Peter Sellers y George Scott, es muy bien recibida por la crítica incluyendo nominaciones al Oscar para Kubrick como co-autor, director, y productor. El desempeño de Peter Sellers es simplemente desopilante.

LA CONSAGRACION DEFINITIVA
Por si hacía falta, Kubrick confirma su condición de Genio con la adaptación de la novela de Arthur C. Clarke. 2001: ODISEA DEL ESPACIO es considerada no solo un icono del cine de ciencia-ficción, sino un cambio de rumbo en la historia del cine en general. Obtiene nuevas nominaciones al Oscar por guión y dirección, y gana su único premio de la academia por diseño y dirección de efectos especiales. Este film tiene la particularidad de contener solo 40 minutos de dialogo. La mayoría de los cambios en el guión, fueron hechos por Kubrick en la sala de montaje, y aún luego de la premiere en abril de 1968, el director cortó otros 19 minutos.

Según Kubrick, "si 2001 ha tocado tus emociones, entonces ha tenido éxito." Geroge Lucas dice que "2001 es la mejor película de ciencia-ficción de la historia, y nada ni nadie podrá superarla". Con respecto al mensaje y al significado, Kubrick se pregunta "¿Cómo podríamos apreciar la Mona Lisa si Leonardo habría escrito al pie 'La dama sonríe porque esconde un secreto de su amante'. Esto colocaría al que observa la obra en un piso de realidad, y no quiero que eso le suceda a 2001." 

El siguiente plan de Kubrick es Napoleón, pero teniendo en cuenta el desastre económico que significó Waterloo, film relacionado con el célebre personaje, Warner decide no apoyar el proyecto.

KUBRICK POLEMICO
Cuenta la leyenda que en el verano del 69 Terry Southern, co-autor de Dr. Strangelove, le regaló a Kubrick la novela A Clockwork Orange. El director la leyó dos veces seguidas. Había quedado fascinado. El costado mas transgresor de Kubrick sale a la luz: llega A CLOCKWORK ORANGE - LA NARANJA MECÁNICA. Mas allá de su calificación X en EE.UU., el film es bien recibido por el público en general, incluyendo las habituales nominaciones al Oscar como director, productor y guionista. Básicamente se trata de cómo Alex, una especie de adicto a la violencia, es rehabilitado con un nuevo y poco ortodoxo método de reinserción social.

Cámaras mas livianas, lentes mas precisos e innovadores equipos de sonido hacen la filmación en locaciones originales mucho mas fáciles. Los flamantes micrófonos Sennheiser MK 12 dan un registro tan preciso que no es necesario doblar ninguna escena, algo poco habitual para la época. Casi todo el film es iluminado con luces muy pequeñas (luces de fotografía y pequeños faroles de no más de 100 watts con paraguas reflectores) para el óptimo aprovechamiento del poco espacio en las locaciones.

Malcolm MacDowell, protagonista, cuenta que "el registro de las voces en off fue tan duro, que cuando me sentía demasiado presionado, Stanley detenía la grabación y me desafiaba al ping pong en una mesa que había en el estudio. Eso sí, al momento de pagarme mi sueldo, me descontó una semana en concepto de 'ping pong'".

El film tiene éxito en Inglaterra, pero dura muy poco en cartelera, ya que casi todos los crímenes que se cometen durante esos días en el país son atribuidos a la película. En un caso, una mujer fue violada por una pandilla de jóvenes que cantaban "Singing in the Rain." El mismo Kubrick, que describió a su obra como "una sátira social.", fue quien decidió sacarla de cartel.

KUBRICK EPICO
Un nuevo cambio de dirección llega con BARRY LYNDON, una historia ambientada en el siglo 18 basada en la novela de William Makepeace Thackery. Protagonizada por Ryan O'Neill, esta es la película de Kubrick que mas nominaciones al Oscar obtuvo.

La elección del vestuario es meticulosa hasta el límite. Entre libros de arte y subastas de ropas de la época, Kubrick pone a 35 sastres y modistas a confeccionar el vestuario con la misma metodología que en aquellos tiempos. Los muebles, el armamento, el transporte y la arquitectura, reciben el mismo tratamiento. Para la fotografía, el director se basa en cuadros del períododo, usando velas y lamparas de aceite como fuentes verdaderas de luz, y un lentes supersensibles diseñados por la NASA. Esto le da a los encuadres un visión particularmente plana, con poca profundidad de campo, lo que hace a la película mas similar a los cuadros.

DE TERROR
En 1980, 5 años después, Kubrick colabora con el cine de terror con la adaptación de la novela de Stephen King, EL RESPLANDOR. Esta violenta historia de una familia aislada en un hotel en medio de las montañas, tal vez no cambió el genero de terror, pero si instauró una nueva manera de acercarse al mismo. Este no es el primer film en usar steadycam, como se suele decir, sino el primero en que se le da un uso efectivo. Los paseos en triciclo del pequeño Danny, el tour por la cocina, o el escape a través del laberinto, difícilmente hubieran sido tan efectivos sin este aparato.

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A LA GUERRA OTRA VEZ
Pasan siete largos años y Kubrick vuelve con FULL METAL JACKET - NACIDO PARA MATAR, un drama de guerra sobre el entrenamiento de los Marines y su desempeño en el campos de batalla en Vietnam.

Como anécdota, Lee Ermy, un instructor militar ex combatiente cuya función original es asesorar técnicamente en el terreno de las armas y los movimientos de los soldados, es elegido para el papel del Sargento Hartman, luego de que Kubrick observe la violenta y realista manera en que maneja a los actores durante el casting. La mayoría de los terribles insultos escupidos a los reclutas, son de su propia creación.

Luego, Kubrick supervisa el paso de algunos de sus films a VHS y el 1990 se reune con los directores Martin Scorsese, Woody Allen, Francis Coppola, Steven Spielberg, Robert Redford, Sydney Pollack, y George Lucas para fundar la Film Foundation, una organización que promueve la restauración y preservación de películas.

LA ULTIMA DECADA
Kubrick quiere volver sobre un viejo proyecto que data de fines de los setenta: Inteligencia Artificial, pero determina que los efectos especiales disponibles no alcanzan para llevar a cabo el film. En 1993, luego de ver Jurassic Park, Kubrick considera que ese es el momento para I.A. La pre producción se extiende hasta 1995, año en que decide posponer el film para ocuparse de OJOS BIEN CERRADOS, un film que muestra unos días en la vida de un matrimonio obsesionado por el sexo y los celos. El rodaje con Tom Cruise y Nicole Kidman se extendería por dos años en los Estudios Pinewood cerca de Londres. Los exteriores nocturnos de la ciudad de New York estan acertadamente logrados dentro del estudio. Según Cruise y Kidman, es estos dos años se genera una relación padre-hijo con el matrimonio.

Durante este período Kubrick es premiado con uno de los honores mas altos de la cinematografía mundial: el premio D.W. Griffith. Ese mismo año, recibe el León de Oro a la trayectoria en el festival de Venecia.

El 7 de marzo de 1999, Stanley Kubrick, de 70 años muere de un ataque al corazón.

EL LEGADO
Perfeccionista hasta el límite, -se cuenta que en cierta ocasión hizo pintar una sala de proyección porque el color de la pared impedía ver con claridad su película y que controla hasta la temperatura de los líquidos de revelado-, profundo conocedor del comportamiento humano, técnicamente superdotado, amante de la música en extremo y, capaz de saltar de género con una facilidad asombrosa, Stanley Kubrick, uno de los genios del siglo 20, sigue teniendo mucho que enseñar.

"Si puede ser escrito, o pensado, entonces puede ser filmado".
Stanley Kubrick


Filmografía:

Tres cortometrajes documentales:
Day of the Fight -1951
The Flying Padre -1951
The Seafarers -1953

Trece largometrajes
Fear And Desire -1953
Killer's Kiss -1955
The Killing -1956
Paths Of Glory -1957
Spartacus -1960
Lolita -1962
Dr. Strangelove Or: How I Learned To Stop Worrying And Love The Bomb - 1964
2001: A Space Odyssey -1968
A Clockwork Orange -1971
Barry Lyndon -1975
The Shining - 1980
Full Metal Jacket -1987
Eyes Wide Shut - 1999

Blow - Ted Demme - 2001

Todo film que comienza con un tema de los Rolling Stones inmediatamente nos recuerda a Martin Scorsese. Todo film que cuente la historia del mayor narcotraficante de la historia de los Estados Unidos, en especial su relación con la mafia Colombiana, probablemente nos recuerde a Scarface, de Brian De Palma. Y si le agregamos voces en off, camara lenta, imagen congelada, no quedan dudas. Pero no se trata de Scorsese, ni de De Palma, sino del director recientemente fallecido Ted Demme.
 
Blow es una biografía de George Jung (Johnny Depp), hijo de un trabajador (Ray Liotta) y una ama de casa (Rachel Griffiths) que con el correr de la película se convertirán en UN PAPA GENIAL y UNA VIEJA ARPIA respectivamente. En un momento clave de su infancia George se dice a si mismo que nunca en su vida va a ser pobre, tenga que hacer lo que tenga que hacer. Y se convierte en narcotraficante. Empezando por el consumo de marihuana al son de los Beach boys, luego con la ayuda de novia azafata Barbara (Franka Potente) y su amigo gay Derek (Paul Reubbens), su comercio, la cárcel y... Pablo Escobar Gaviria, el zar de la producción de la cocaína en el mundo. George se convertirá en el representante de Escobar en EE.UU., con todo lo que ello implica (Penélope Cruz, incluida). 



Es inevitable hablar de la excelente actuación de Johnny Depp. En una primera visión, uno se fija irremediablemente en sus diversos cambios de look, pero viéndola nuevamente, salta a la luz una expresividad que hemos visto en pocos actores, ese silencio de miradas que dicen mucho mas que cualquier texto. Su estilo es único y absolutamente personal. Y ni hablar de su química con Ray Liotta, quién también tiene una actuación excelente, ayudado por el maquillaje. Realmente son padre e hijo. Penélope Cruz interpreta a una joven colombiana, así que no se le puede criticar su acento o sus claros problemas para hablar inglés. Empieza siendo una diosa super glomorosa y termina siendo una ama de casa decadente vestida de jogging y maquillada por demás. Buen desafío.

Extremadamente convincente es el trabajo de la ambientación en los años sesenta, setenta y ochenta, desde el vestuario, los peinados, los autos, la banda de sonido; todo contribuye a meternos en ese período. Esta todo tan bien recreado que parece que estamos mirando un álbum de fotos de nuestros padres en su época de oro. En síntesis, Ted Demme realiza un gran trabajo dirigiendo esta película. 

Director: Ted Demme

Ficha Técnica: IMDB

Publicado originalmente en www.tljdigital.com

Una luz en el infierno - Robert De Niro - 1993

Un niño crece en un barrio italoamericano del Bronx. Su padre le da un consejo: "nada es mas trágico que un talento desperdiciado". El gángster de la esquina le da otro consejo: "A nadie le importa". Estos consejos parecen contradictorios, pero el chico se da cuenta de que son una interesante combinación. Sin duda, han habido muchas películas sobre mafiosos de barrio, pero esta es distinta. Es sobre dos hombres que han llevado una vida ardua pero que quieren a este chico y lo quieren ayudar, cada uno a su manera. .

La película empieza cuando Colaggero tiene 9 años, y sentado en la entrada de su edificio, ve a Sonny, el gangster de la esquina, matar a un hombre en lo que le parece una pelea ordinaria por un espacio para estacionar. Luego Sonny lo mira a los ojos, y el niño capta el mensaje: "no hables". El chico habla menos que una tumba y Sonny (Chazz Palminteri) quiere hacer algo por él: le ofrece un cheque semanal por 150 dólares para su padre. Lorenzo (Robert De Niro) lo rechaza. Es un trabajador, orgulloso de mantener a su familia manejando un colectivo, que se considera a si mismo un "mucho mas rudo que los gángsters, que no consiguen nada sin un arma. Un tipo rudo es aquel que se desloma trabajando de sol a sol".

Colagero, idolatra a Sonny. Le gusta el modo en que ejerce una silenciosa autoridad, cómo "habla" con sus manos, la ropa que viste. Cuando Colagero cumple 17, empieza a trabajar para Sonny, contra los deseos de su padre. Durante el año en que mayormente se sitúa la película, aprende lecciones que usará para toda su vida.

"A Bronx Tale" fue escrita para teatro por Palminteri. Basada en una historia real que el mismo Chaz protagonizó durante su infancia, en el papel de Colagero. Lorenzo le habla a su hijo de héroes, refiriéndose al tipo que se levanta a la mañana y se va a trabajar para mantener a su familia, en cambio Sonny le dice que no podés vivir pensando en lo que la gente opine que debas hacer, pues al fin y al cabo, cuando estas mal, a nadie le interesa ayudarte.

"A Bronx Tale" es graciosa por momentos, y emocionante en otros. Esta llena de vida y coloridos personajes y excelentes diálogos. De Niro, en su debut como director, encuentra los tonos correctos para hacer pasar al espectador de la risa a las lagrimas. 

Director: Robert De Niro

Ficha Técnica: IMDB

Publicado originalmente en www.tljdigital.com

EL PADRINO III - Francis Ford Coppola - 1990

El Padrino III: La Redención de una familia. Se completa una de las más grande sagas en la historia del cine con la tercera parte de las épicas memorias de la familia Corleone. Al Pacino desempeña el rol del poderoso líder de la familia, Michael Corleone. Esta historia se sitúa en los '70, y Michael se ve dominado por dos pasiones: liberar a su familia del mundo del crimen, y encontrar un sucesor para su imperio. Ese sucesor podrá ser el brutal Vincent, interpretado por Andy García. El sobrino de Michael también podrá ser la chispa que convierta la esperanza de una legitimación financiera en un infierno de violencia.

Francis Ford Coppola, el director, en realidad no quería que la película se llamara El Padrino parte tres, "quería que se llamara La muerte de Michael Corleone, ya que era una historia muy diferente, sobre todo por la resolución." Al director le llegaron muchos guiones sobre traficantes de drogas y grandes Carteles. Finalmente el mismo Coppola y Mario Puzzo escribieron juntos el guión una vez más. "La pensamos distinto -dice Coppola, como una historia de redención, y de volver a las raíces sicilianas."

LA FAMILIA
Para Coppola, "Si trabajas con el mismo grupo de personas durante 20 años, se convierten en una parte importante de tu vida. En la trilogía de El Padrino, usamos viejos colaboradores que se conocían entre ellos desde hacía varios años, que habían trabajado juntos y aprendido juntos. De esa manera, podríamos obtener el mismo sabor a espagueti que tan fuertemente se percibía en las dos películas anteriores, porque finalmente es una película sobre una familia hecha por una familia." Lo de la familia, no es únicamente simbólico, ya que la familia de Francis Coppola fue definitivamente una gran parte del film: su hermana Talia Shire en el papel de Connie, su hija Sofía (hoy directora de cine) en el papel de Mary Corleone y su padre componiendo todas las tarantelas y otras parte de la música.

LA MADURACION
Michael Corleone esta mas viejo ahora y camina con un bastón, sufre de diabetes y ha pasado sus últimos 20 años -desde la ultima vez que lo vimos, en El Padrino parte II- tratando de sacar a su familia del crimen y entrar a los negocios limpios. Según Coppola, "Michael quería ahora su paz, quería dejar de ser una asesino a sangre fría, pero no podía salir. Lo demuestra cuando dice: "justo cuando quiero salir, me empujan hacia adentro otra vez!". Para Puzzo, "Michael es un tipo que se prepara para la muerte. Esta terminando su vida y se da cuenta que no ha hecho las cosas bien.
Talia Shire, nos muestra a Connie, la hermana de Michael, que ha llegado a la mitad de su vida, desde las sombras mas profundas, siempre de negro, enigmática, y constantemente ayudando a su sobrino Vincent en su lucha para que Michael lo acepte. "Decidimos que Connie debía ir en otra dirección -explica Talia Shire, necesitábamos a un contemporáneo de Michael. Connie, esta fuera del tiempo, fuera del espacio, es como un fantasma. Ahora, Michael quiere salir...¿Después de todas esa matanzas, muertes, tragedia, te queres enderezar? ¿Y qué hay de Connie?"

EL RITUAL
Parte del estilo Coppola en esta saga, son los rituales religiosos para secuencias fundamentales y cuyas resoluciones son asesinatos. En esta ocasión, se decidió usar el debut de Anthony Corleone como cantante de opera, con Cavallería Rusticana como el ritual. Coppola dice: "Llevamos todos los personajes a Palermo, y dentro de la obra misma, los personajes parecen ser los de la película. Anthony, que siempre se mantuvo al margen de los asuntos de la familia, actúa en la opera como "uno de ellos", razón por la cual, todos los Corleone en el palco se ríen de manera cómplice."

PRECAUCION
¡No leer los siguientes párrafos si no se ha visto la película y se tiene interés en verla!

La muerte de Mary llega como algo devastador en la vida de Michael, quien tendrá que pasar lo poco que le queda de su vida con ese sufrimiento sobre sus espaldas. Para Mario Puzzo -y para nosotros tambien- "la actuación de Pacino, la reacción de Michael, su grito ante a la muerte de su hija es la mejor pieza de actuación que vi en mi vida."

LA MUERTE DE MICHAEL
La escena final, la muerte en soledad de Michale Corleone, nos recuerda a la muerte de Vito Corleone, solo acompañado por su pequeño nieto en el jardín. La única compañía de Michael en este momento es su perro, que se asusta por la caída del cuerpo muerto y luego lo huele. Todos esos fantasmas de soledad que rondaron siempre a Michael, se hacen presentes en este último plano.
Para Al Pacino, "La saga de El Padrino es de alguna manera, una sarcástica metáfora para el American way of life". "Es extraordinario -reflexiona Talia Shire- hoy han pasado casi 30 años desde la primera parte, y la obra de Francis sigue reinante. Esa es la principal característica de una obra de arte, la vigencia". La saga de El Padrino es una obra maestra que perdurara a través de los tiempos, al igual que todos los que participaron en ella. 

Director: Francis For Coppola

Ficha Técnica: IMDB

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Brian De Palma

Con casi 60 años Brian De Palma es uno de los grandes directores de su generación -integrada, entre otros, por Scorsese, Coppola, Friedkin, Lucas, Spielberg- pero que carece del merecido reconocimiento. Su particular dominio de la cámara y el aroma a Hitchcock que se percibe en toda su obra son características que no parecen haberle sido útil en ese sentido. 
 

Siempre orientado hacia el thriller de suspenso, con algunos toque de lo sobrenatural, De Palma inició su carrera en 1968, con "Murder a la Mod", una historia sobre un director de cine porno y "Greetings", su primera colaboración con Robert De Niro y su primer contacto también con el tema Vietnam. Al año siguiente muestra su comedia "The wedding party" y en 1970, "Hi, Mom!", ambas con De Niro. Su primer trabajo grande fue la sátira "Get to know your rabbitt" (1972), que produjo bajo la tutela de Warner, y al año siguiente su primer filme estilo Hitchcock: "Sisters" (1973), en donde toca por primera vez el tema de la doble personalidad. 

Bernard Herrmann (colaborador habitual de Hitchcock) puso la sugerente música para "El Fantasma del Paraíso" (Phantom of the Paradise, 1974), una particular versión musical de "El fantasma de la Opera". Si en "Sisters" había elementos de La Ventana Indiscreta o "Psicosis", en "Obsession" (1976), un hombre que se enamora de una mujer igual a su mujer fallecida al sonido de Bernard Herrmann, nos recuerdan claramente a Vertigo. 

Pero sin dudas la adaptación de la Novela de Stephen King, Carrie ("Carrie", 1976) fue su gran despegue: con un reparto que incluía a Sissy Spacek (que había sido decoradora en "El fantasma del Paraíso"), Amy Irving, Nancy Allen (que sería durante una época esposa de De Palma y una de sus actrices fetiches), William Katt y John Travolta. Esta historia de una adolescente con poderes telequinéticos con un final bañado en sangre, sirvió de plataforma al estrellato para casi todo el elenco.

Consolidado en Hollywood, De Palma encadenó un filme tras otro: "La Furia" (The Fury, 1978), otra vez la telequinesis, otra vez la violencia en extremo, con inigualables actuaciones de Amy Irving, Kirk Douglas, John Cassavetes y Andrew Stevens; una comedia que lo transporta de vuelta a sus inicios "Home movies" (1979), el deslumbrante thriller "Vestida para matar" (Dressed to kill, 1980), una de las grandes interpretaciones de Nancy Allen y Michael Caine, donde el homenaje a "Psicosis" y a "Family plot" del maestro del suspense es evidente. 

Definitivamente innovadora es "El Sonido de la muerte" (Blow out, 1981), donde Travolta interpreta a un sonidista de cine B que por casualidad presencia un asesinato que parece un accidente. En este film, De palma se adelanta por el lado de la imagen, el sonido, y la trama. En 1983 llega su primera colaboración con Al Pacino: Scarface, remake del clásico de Howard Hawks de 1932, esta vez en Miami. La película es magnífica y Pacino, una vez mas, demuestra porqué es uno de los mejores. Para destacar, Michelle Pfeifer y María Elizabeth Mastrantonio. 1984 trae "Doble Cuerpo" (Body Double, 1984), una vez mas mezcla de "Vertigo" y "La ventana indiscreta", y otro amor pasional obsesivo; y la comedia "Wise guys" (1986) que no tuvo el éxito merecido.

La adaptación de la vieja serie de televisión, "Los intocables " (The untouchables, 1987) es un éxito: nuevamente, se rodea de estrellas consagradas y en ascenso (Sean Connery, Andy García y De Niro fuera de control como Al Capone). Luego, siguió Casualities of war, (1989), su visión de la guerra de Vietnam, con Michael Fox y Sean Penn y una no muy exitosa adaptación del libro de Tom Wolfe, "La hoguera de las vanidades" (The bonfire of vanities, 1990). 


"En nombre de Cain" (Raising Cain, 1992), pasó desapercibida, pero fue coronada con el magistral thriller "Carlito's way" (1993), que podría interpretarse como secuela de Scarface. Nuevamente Al Pacino nos deleita aquí, pero quien se lleva todos los laureles es Sean Penn. En 1996, Tom Cruise en papel de productor y protagonista lo convoca para dirigir la adaptación de la clásica serie "Misión imposible" (Mission: Impossible, 1996). Esta se convertiría en su película mas taquillera. Siguen Ojos de Serpiente (Snake Eyes, 1998), gran thriller que se inicia con un virtuoso plano secuencia de veinte minutos, la comedia "Mr. Hughes" y su debut en la ciencia ficción con sus toques de new age, con "Misión a Marte" (Mission to mars, 2000). 
 

Filmografía completa: IMDB

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La Soga - Alfred Hitchcock - 1948

Dos jóvenes homosexuales matan a David, un amigo en común, meten su cadáver en un arcón y dan una fiesta usando ese mismo arcón como mesa. Pequeño detalle: a la fiesta están invitados, entre otros, la novia y el padre de David. También asiste Rupert (James Stewart), un ex profesor de los jóvenes, quien pondrá en peligro los planes de los asesinos. "La Soga" es la primera película en colores filmada por Alfred Hitchcock y presenta la particularidad de estar hecha en 8 planos secuencia de diez minutos, es decir, 8 cortes, 8 rollos de película. Esto acentúa notablemente la intensidad de la historia a puertas cerradas y en tiempo real. Este film -que es la primera de las cuatro colaboraciones de Stewart con Hitchcock- fue realizado en 37 días (10 días de ensayo con cámara, actores e iluminación, 18 días de rodaje y 9 días de retomas). A continuación reproducimos algunas declaraciones de Hitchcock acerca de su experiencia sobre filmar un largometraje en 8 planos. 

- Desde mi punto de vista no hay nada como la acción continuada para mantener el tono anímico de los actores, en particular en las historias de suspenso. En La soga, toda la acción, el asesinato, la fiesta, la tensión creciente, lo psicológico, el descubrimiento del crimen y su resolución, transcurren en 80 minutos de la vida real. Aunque tardamos 37 días en hacer la película.


- Algunos de nuestros problemas parecían irresolubles a primera vista. James Stewart se pasó varias noches sin poder dormir por culpa de su papel. Le preocupaban mucho mas los desconcertantes problemas técnicos que el drama cargado de suspenso. Morris Rose seguía manejando la grúa en sus sueños a las 4 de la madrugada y al final de la película había perdido 5 kilos. En una ocasión a Joe Valentine, nuestro operador de cámara, le pasó el travelling de casi 3 toneladas por encima del pie por no apartarse a tiempo. 

- El rodaje exigió meses de preparativos y días agotadores de ensayos. Cada movimiento de la cámara y de los actores se estudiaba primero en sesiones intensivas sobre la pizarra como si se tratara de la estrategia para un partido de fútbol. 


- Toda la técnica era un medio para alcanzar un fin. El público no debe darse nunca cuenta de ello. Si el público se da cuenta que la cámara esta haciendo milagros, se habría malogrado nuestro objetivo.

- Uno de los engranajes fundamentales de nuestra maquinaria de planificación anticipada era el montajista Bill Ziegler. Por primera vez en la carrera de un montador, había que editar el largometraje entes de que estuviera rodado.


- El artefacto más mágico de todos era el ciclorama: una reproducción exacta en miniatura de casi 56 kilómetros del perfil de New York, iluminada por 8 mil bombillas incandescentes y 200 letreros de neón para los que eran necesarios 150 transformadores.


- La Soga fue un milagro de sincronización. Todo el equipo, desde los actores, los eléctricos, las scipt, el cámara y yo, nos pasamos semanas enteras ensayando antes de empezar a rodar.


- Ese arcón en el que guardaban el cuerpo, era prácticamente uno de los protagonistas. Cada vez que la cámara atravesaba la habitación el arcón tenía que ser arrastrado fuera del escenario inmediatamente por delante de la grúa. No olvidemos que no podíamos detenernos para cambiar la posición de la cámara. Mover el arcón era tarea de cuatro utileros acurrucados en cuatro patas debajo de la cámara. No solo tenían que apartar el arcón a una señal dada, sino que tenían que volver a introducirlo escena cuando regresaba la cámara.

- En el final de la película se oyen "ascender" los sonidos desde la calle. Para ello puse un micrófono a una distancia equivalente a 6 pisos del estudio y un grupo de 20 personas que comenzaran a murmurar luego de que sonaran los disparos. Para la sirena que se acercaba, el estudio me ofreció colocar un sonido de sirena por fade in, pero no me servía. Así que pusimos una ambulancia a 2 Km del micrófono y en determinada señal, el chofer la condujo (con la sirena encendida) hacía el lugar. 

- El joven actor que interpretaba a la víctima tenía que permanecer dentro del arcón durante los diez minutos que duraba el primer rollo. Después de la tercera retoma el actor empezó a sentirse un poco cansado. "Dios, quiero que lo consigan en esta toma" decía fervorosamente. Esos diez minutos le parecían horas. 

- Debido a la manera en que se rodó la película la interpretación de los actores apenas variaba de una día para otro. De hecho, les pareció una experiencia muy estimulante. No usamos actores dobles de luz o de movimientos de cámara, fueron ellos los que lo hicieron, ya que también debían estar entrenados para no llevarse por delante a un técnico y seguir las marcas en el piso con precisión. Su colaboración durante los ensayos intensivos previos fue magnífica.

- James Stewart declaró que La Soga fue su papel mas difícil. Me contó que pensaba "que ocurriría si el resto del reparto esta perfecto y yo me equivoco en una frase cuando vamos 9 minutos con 30 segundos? Sería la equivocación mas colosal en toda la historia del cine". "Bueno, le dije, por eso te elegí para el protagónico.

- Lo que mas divertía a todo el mundo era que yo no miraba la acción ni una sola vez después de que la cámara empezara a rodar. No tenía sentido porque no podía hacer nada. Una vez que la cámara empezara a rodar, tenía que seguir hasta el final del rollo. Mi trabajo terminaba en el momento que gritaba "Acción!". 

- Actualmente cuando pienso en ella, me doy cuenta de que era completamente estúpido porque rompía con todas mis tradiciones y renegaba sobre mi teoría sobre la fragmentación del film. 


- Probablemente La Soga sea la película mas emocionante que he dirigido nunca. Es el trabajo técnico mas logrado que he hecho, pero el que menos se ha estimado.

El raro trailer que compartimos contiene imágenes filmadas exclusivamente para la promoción de la película y que no entraron en el corte final del film

Director: Alfred Hitchcock.

Ficha Técnica: IMDB

Publicado originalmente en www.tljdigital.com

LA REBELDÌA JUVENIL EN LOS '50

Ruido de motores, Camperas de cuero, y Rock & Roll
Una mirada retrospectiva sobre tres películas - símbolo sobre la rebeldía juvenil
Los adolescentes, siempre a la búsqueda de modelos o ídolos, pasaban por un buen momento económico en los Estados Unidos a mediados de los 50. También la música vivía un período plácido. El jazz tradicional había perdido en manos del bop, mucho menos comercial y bailable. Los baladistas como Nat King Cole o Sinatra, y el Rock & Roll, esa mezcla de country blanco con rythm & blues negro, eran la banda de sonido de los adolescentes. El Rock n' Roll era divertido, expresaba lo que sentían los jóvenes por entonces, hablaba de virilidad, de romanticismo, acción, velocidad, violencia. El auto, el Rock & Roll y la rebeldía, eran entonces los símbolos juveniles de la época. El cine no perdió esta oportunidad y funcionó como espejo de los adolescentes: lanzó al estrellato a sus dos símbolos más influyentes y carismáticos. James Dean y Marlon Brando.

Salvaje (The Wild one, Laszlo Benedeck, 1954), muestra a Marlon Brando, su campera de cuero y su Harley Davidson arrasando una pequeña localidad provinciana. Esta verdadera película de motociclistas cuenta como el líder de una banda que invade un pequeño pueblo, tiene su primera oportunidad de llevar una vida normal y productiva cuando se enamora de la hija del sheriff. La actuación de Brando en esta película implica un antes y un después en el contexto de su revolucionaria "reinvención" de la manera de actuar en cine. Ni siquiera hay rock and roll, practicamente ni siquiera estaba inventado, eso si, la Banda Sonora está plagada de grandes jazzmen, Shorty Rogers, Bud Shank, Shelly Manne, Lou Levy, Larry Bunker y muchos más

 

James Dean, Natalie Wood y Sal Mineo protagonizaron otra gran película sobre rebeldía juvenil: Rebelde sin Causa (Rebel without a Cause, Nicholas Ray, 1955) muestra a tres jóvenes de pueblo incomprendidos por sus padres, y carreras de coches al borde del abismo. Jim Stark (James Dean) es el nuevo chico del barrio. Ha estado en problemas en cualquier lugar a donde ha ido, por eso su familia se muda una y otra vez. Ahora, Jim espera encontrar un poco del amor faltante en su hogar de clase media. Aunque encuentra algo de ese amor en Judy, Natalie Wood, no puede alejarse de las peleas callejeras y las carreras de autos que terminan en un precipicio. Cuando la gente piensa en James Dean, probablemente lo primero que se les viene a la mente es el problemático adolescente de Rebelde sin causa: nervioso, volátil, perdido en un mundo que no lo entiende. El film es una mirada inusual para la época, el punto de vista adolescente de un delincuente juvenil y su circulo de amigos, pero esta óptimamente captada esa ansiedad que nacía al mismo tiempo que el Rock & Roll. Hace hincapié en la búsqueda de la personalidad adolescente. Dean sigue el método de actuación de Brando, pero desnudando una honestidad emocional propia. Rebelde sin Causa marca el debut cinematográfico de Dennis Hopper.  

 

 

Semilla de Maldad (The blackboard Jungle, Richard Brooks, 1955) nos muestra los esfuerzos de Richard Dadier (Glenn Ford) como maestro de escuela idealista, cuyo primer trabajo es en un high school urbano de varones muy rudos. Artie West, Vic Morrow (el célebre actor de Combate) es el líder de los violentos. Sidney Poitier, en una excelente actuación, retrata a Gregory Miller, el chico negro, inteligente y no violento de la clase. Cuenta la leyenda que cuando aparecían los títulos iniciales de la película, musicalizados por Rock around the clock, de Bill Halley & The Comets, los jóvenes se negaban a permanecer en sus asientos. Era la música a más alto volumen que ellos habían escuchado y nadie les podía ordenar bajarlo. Blackboard Jungle es muy dura y probablemente una mejor representación de la delincuencia juvenil de los 50 que Rebel Without A Cause o The Wild One. Fue una película shockeante para la época, y en muchos lugares prohibieron su proyección debido a su contenido multiracial y por la violencia que podía generar. Aún hoy en día, molesta.
  

En los tres filmes existía la misma solidaridad por una generación que no había participado en la 2da. Guerra mundial, y no se imaginaba las guerras que vendrían. Dejando de lado los argumentos, en donde los "viejos" generalmente "ganan" al final, estas obras representaron un caso extraño de apoyo a la causa de los jóvenes: alguien se preocupaba por hacer películas sobre sus problemas, lo que implicaba que existían.