El Funeral, genial película de Abel Ferrara, se erige como una de las
películas de gángsters mas innovadoras, desde El Padrino. Siguiendo con
el constante trasfondo familiar que nos suelen mostrar este tipo de
películas -a esta altura, un género por sí mismo-, El Funeral nos
muestra una serie de crudísimos enfrentamientos en el seno de una única
familia, los Tempio.
La película esta situada en el funeral de Johnny (Vincent
Gallo) y esta integrada por permanentes flashbacks que nos ayudan a
armar el rompecabezas de cómo, por quién, cuándo y porqué, fue asesinado el
menor de los tres hermanos. A medida que transcurre el film, vamos descubriendo las personalidades
de los 3 hermanos: Johnny es un pequeño revolucionario, asiduo asistente
de mitines comunistas; Chez (Chris Penn), es el hermano del medio, diez
veces mas temerario cuando levanta presión, que cuando saca un arma; y
Ray, (Christopher Walken) es el hermano mayor, rudo, pero extremadamente
pensante y reflexivo, ligado a las mafias sindicales, que
indefectiblemente lo enfrentará a su hermanos menor. Si a esto le
sumamos las turbulentas presencias de las esposas y amantes de los
hermanos, la visita constante del jefe de la familia enemiga (Benicio
Del Toro) algunas de las crudas escenas marca registrada de Abel
Ferrara, y las bases de la tragedia griega aggiornadas a la década del
30, obtenemos un cocktail explosivo y que nos resultará imposible
rechazar.
La película es corta, no dura mas de 1 hora y media. Dentro de una admirable dirección de fotografía y una cautivante banda sonora, abundan, actuaciones magistrales. Por citar solo uno, el desempeño de Benicio del Toro, que todavía estaba a unos años de su
consagración comercial, es simplemente admirable. Escucharlo
hablar en italiano realmente nos retrotrae sin duda al Vito Corleone de
Marlon Brando.
Eso si, lo que
hay que remarcar es que la película tiene su ritmo, cosa que favorece
notablemente a los actores. Conclusión: si les gustan las películas de
gángsters, pero fundamentalmente las buenas actuaciones, no se la deben
perder.
RETRATO DE UN GENIO
Stanley Kubrick nace en Bronx, Nueva York el 26 de Julio de 1928. A los
doce años su padre le transmite su pasión por el ajedrez, del que se
convierte en un especialista y al que muchos atribuyen su meticulosidad y
cerebralidad. A los 13, comienza a tocar la batería, focalizando su
gusto por el jazz, y su padre le regala una cámara fotográfica iniciando
su pasión por la imagen. Kubrick fotografía todo lo que se cruza hasta
que un día, decide vender sus fotos a la revista Look. A los 17, entra
como fotógrafo estable de la revista.
Hasta los 21 años se dedica a viajar por toda Norteamérica
siendo uno de los fotógrafos más prestigiosos y mejor pagos. Todos estos
viajes abren sus ojos y su hambre por el conocimiento. Ingresa como
oyente a la Universidad de Columbia, visita asiduamente el Museo de Arte
Moderno, y comienza a participar en torneos de ajedrez, que le reportan
ganancias.
LOS PRIMEROS CORTOS
En 1950, con 23 años, decide hacer su primer cortometraje. Con la ayuda
de 3.900 dólares ahorrados, Kubrick filma DAY OF THE FIGHT con una
cámara de 35 milímetros marca Eyemo que aprende a manejar en una mañana
en la Camera Equipment Company. Un empleado de esa empresa que le
alquila el equipo, le enseña a empalmar, a cortar y a usar el
sincronizador. La película es vendida a la RKO por 4.000 dólares
cumpliéndose el sueño de cualquier realizador primerizo: que su película
sea exhibida públicamente. El corto, de 16 minutos de duración, es
sobre el boxeador Walter Cartier. Como enseñanza de esos primeros años,
Kubrick nos dice que "lo mejor que pueden hacer los jóvenes realizadores
es conseguir una cámara y hacer una película de cualquier tipo".
Su siguiente documental, FLYING PADRE, de 9 minutos, trata sobre un cura
que vuela 400 millas en un Piper. Kubrick una vez mas, es director,
fotógrafo, sonidista y editor.
Su primer film en color es un encargo: un documental de 30 minutos llamado THE SEAFARERS.
LARGOMETRAJES CON DINERO PRESTADO
En 1953 pide prestado 13 mil dólares a su familiares y amigos para
financiar su primer largo: FEAR AND DESIRE. Ese mangazo de 13 mil, se
convierte en uno de 40 mil, esta vez para hacer KILLER'S KISS.
Para 1956, el cine ya le empieza a reportar ganancias. Kubrick salda sus
deudas al conocer al productor James Harris, que lo lleva a Hollywood
para realizar su primer película de Estudio: THE KILLING, conocida como
Casta de Malditos. Kubrick cuenta con 320 mil dólares de presupuesto y
un notable elenco para esa época. La primera novedad en The Killing es que Kubrick tiene a su disposición
los servicios de Lucien Ballard, uno de los mas experimentados
Directores de Fotografía de ese momento. El trabajo produce uno de los
mas interesantes ambientes visuales que se pueden hallar en un policial
negro. La calidad del blanco y negro logrado por Ballard contribuye para
añadirle a la historia un tono sórdido y deprimente que va muy bien con
el estilo visual y narrativo impuesto por el director Kubrick. Además
de esto, Kubrick realiza un interesante experimento de montaje,
retrocediendo repentinamente en el tiempo para mostrar los preparativos
del asalto desde los diversos puntos de vista de sus protagonistas.
Así como este film demostró la habilidad de Kubrick de imitador,
mencionando Rashomon, de Kurosawa, seis años antes, Quentin Tarantino
haría lo propio 35 años después, con su opera Prima Perros de la Calle.
En The Killing se solidifican las cualidades de Kubrick respecto al
encuadre y a la presentación especial de sus escenas, todo esto
reforzado por la iluminación dura y constante de Ballard.
LA PRIMER OBRA MAESTRA Kubrick conoce al novelista Calder Willingham, mientras preparan un
guión para The Burning Secret, pero el proyecto nunca se concreta. No
obstante, la sociedad de Kubrick con Willingham, junto con Jim Thompson,
deriva en el guión de PATHS OF GLORY (en castellano, Senderos de
Gloria, aunque es conocida como La Patrulla Infernal). Todos los
estudios rechazan el proyecto hasta que Kirk Douglas acepta
protagonizarla. El resultado: el primer clásico de Kubrick, y una de sus
mejores películas. Con un presupuesto de 935 mil dólares, el film es realizado en Munich,
Alemania. Paths of Glory registra el primer encuentro serio de Kubrick
con la censura, en este caso, la del gobierno francés, que se opone a
que la película se filme en Francia por la mala posición en que queda su
ejército en la historia. El director de fotografía Georges Krause y Kubrick optan por
trabajar el blanco y negro para obtener un rango mucho mas amplio de
grises, y con menor contraste. Este tratamiento fotográfico le da un
aire totalmente convincente al ambiente de las trincheras y, en
particular, a la secuencia del asalto al Hormiguero. Esta es filmada por
Kubrick de una forma típicamente meticulosa: "Para esta secuencia
utilizamos seis cámaras, una detrás de otra, sobre un largo riel que
corría paralelo al ataque. Yo mismo opere una Arriflex con un lente zoom
para concentrarme en Kirk Douglas".
Luego de esto, Kubrick pasa los dos años siguientes trabajando en dos
guiones que no se llevarían a film: I Stole 16 Million Dollars, sobre la
guerrilla sudamericana y One Eyed Jacks, un film que Marlon Brando
decidiría dirigir el mismo.
POR ENCARGO
In 1959, Kirk Douglas produce ESPARTACO. El director Anthony Mann es
despedido dos semanas después de comenzado el rodaje y Douglas le ofrece
a Kubrick el puesto. Con un costo de 12 millones de dólares, Espartaco
gana el Globo de Oro a la mejor película y reporta ganancias por 13
millones.
Kubirk: "Espartaco fue el único film sobre el cual no tuve control, y
creo que esto no ayudo al resultado final. Obviamente, yo dirigí a los
actores, compuse las escenas y edite el film de manera que, dentro de la
debilidad del argumento, trate de hacerlo lo mejor posible". La
película contó con la última tecnología, ya que fue filmada en Super
Technirama 70 y editada en 6 canales de audio. Mas allá de ser una
película por encargo y no ser 100% Kubrick, Espartaco sirvió para que
mucha gente conozca a este nuevo director.
LOS SESENTA
En esta década Kubrick lleva a la pantalla a la controversial novela de
Vladimir Nabokov, LOLITA, sobre un el affair entre un adulto (James
Mason) y una adolescente. Kubrick ya establecido en Londres, muestra una
particular fascinación por la Guerra Fría y filma DR. STRANGELOVE,
mezcla de comedia con ciencia-ficción. La película, protagonizada por
Peter Sellers y George Scott, es muy bien recibida por la crítica
incluyendo nominaciones al Oscar para Kubrick como co-autor, director, y
productor. El desempeño de Peter Sellers es simplemente desopilante.
LA CONSAGRACION DEFINITIVA Por si hacía falta, Kubrick confirma su condición de Genio con la
adaptación de la novela de Arthur C. Clarke. 2001: ODISEA DEL ESPACIO es
considerada no solo un icono del cine de ciencia-ficción, sino un
cambio de rumbo en la historia del cine en general. Obtiene nuevas
nominaciones al Oscar por guión y dirección, y gana su único premio de
la academia por diseño y dirección de efectos especiales. Este film tiene la
particularidad de contener solo 40 minutos de dialogo. La mayoría de los
cambios en el guión, fueron hechos por Kubrick en la sala de montaje, y
aún luego de la premiere en abril de 1968, el director cortó otros 19
minutos.
Según Kubrick, "si 2001 ha tocado tus emociones, entonces ha tenido
éxito." Geroge Lucas dice que "2001 es la mejor película de ciencia-ficción
de la historia, y nada ni nadie podrá superarla". Con respecto al
mensaje y al significado, Kubrick se pregunta "¿Cómo podríamos apreciar
la Mona Lisa si Leonardo habría escrito al pie 'La dama sonríe porque
esconde un secreto de su amante'. Esto colocaría al que observa la obra
en un piso de realidad, y no quiero que eso le suceda a 2001."
El siguiente plan de Kubrick es Napoleón, pero teniendo en cuenta el
desastre económico que significó Waterloo, film relacionado con el
célebre personaje, Warner decide no apoyar el proyecto.
KUBRICK POLEMICO
Cuenta la leyenda que en el verano del 69 Terry Southern, co-autor de
Dr. Strangelove, le regaló a Kubrick la novela A Clockwork Orange. El
director la leyó dos veces seguidas. Había
quedado fascinado. El costado mas transgresor de Kubrick sale a la luz:
llega A CLOCKWORK ORANGE - LA NARANJA MECÁNICA. Mas allá de su
calificación X en EE.UU., el film es bien recibido por el público en
general, incluyendo las habituales nominaciones al Oscar como director,
productor y guionista. Básicamente se trata de cómo Alex, una especie de
adicto a la violencia, es rehabilitado con un nuevo y poco ortodoxo
método de reinserción social.
Cámaras mas livianas, lentes mas precisos e innovadores equipos de
sonido hacen la filmación en locaciones originales mucho mas fáciles.
Los flamantes micrófonos Sennheiser MK 12 dan un registro tan preciso
que no es necesario doblar ninguna escena, algo poco habitual para la
época. Casi todo el film es iluminado con luces muy pequeñas (luces de
fotografía y pequeños faroles de no más de 100 watts con paraguas
reflectores) para el óptimo aprovechamiento del poco espacio en las
locaciones.
Malcolm MacDowell, protagonista, cuenta que "el registro de las voces en
off fue tan duro, que cuando me sentía demasiado presionado, Stanley
detenía la grabación y me desafiaba al ping pong en una mesa que había
en el estudio. Eso sí, al momento de pagarme mi sueldo, me descontó una
semana en concepto de 'ping pong'".
El film tiene éxito en Inglaterra, pero dura muy poco en cartelera, ya
que casi todos los crímenes que se cometen durante esos días en el país son atribuidos a la película.
En un caso, una mujer fue violada por una pandilla de jóvenes que
cantaban "Singing in the Rain." El mismo Kubrick, que describió a su
obra como "una sátira social.", fue quien decidió sacarla de cartel.
KUBRICK EPICO
Un nuevo cambio de dirección llega con BARRY LYNDON, una historia
ambientada en el siglo 18 basada en la novela de William Makepeace
Thackery. Protagonizada por Ryan O'Neill, esta es la película de Kubrick
que mas nominaciones al Oscar obtuvo.
La elección del vestuario es meticulosa hasta el límite. Entre libros de
arte y subastas de ropas de la época, Kubrick pone a 35 sastres y
modistas a confeccionar el vestuario con la misma metodología que en
aquellos tiempos. Los muebles, el armamento, el transporte y la
arquitectura, reciben el mismo tratamiento. Para la fotografía, el
director se basa en cuadros del períododo, usando velas y lamparas de
aceite como fuentes verdaderas de luz, y un lentes supersensibles
diseñados por la NASA. Esto le da a los encuadres un visión
particularmente plana, con poca profundidad de campo, lo que hace a la
película mas similar a los cuadros.
DE TERROR
En 1980, 5 años después, Kubrick colabora con el cine de terror con la
adaptación de la novela de Stephen King, EL RESPLANDOR. Esta violenta
historia de una familia aislada en un hotel en medio de las montañas,
tal vez no cambió el genero de terror, pero si instauró una nueva manera
de acercarse al mismo. Este no es el primer film en usar steadycam, como se suele decir, sino
el primero en que se le da un uso efectivo. Los paseos en triciclo del
pequeño Danny, el tour por la cocina, o el escape a través del
laberinto, difícilmente hubieran sido tan efectivos sin este aparato.
. A LA GUERRA OTRA VEZ
Pasan siete largos años y Kubrick vuelve con FULL METAL JACKET - NACIDO
PARA MATAR, un drama de guerra sobre el entrenamiento de los Marines y
su desempeño en el campos de batalla en Vietnam.
Como anécdota, Lee Ermy, un instructor militar ex combatiente cuya
función original es asesorar técnicamente en el terreno de las armas y
los movimientos de los soldados, es elegido para el papel del Sargento
Hartman, luego de que Kubrick observe la violenta y realista manera en
que maneja a los actores durante el casting. La mayoría de los terribles
insultos escupidos a los reclutas, son de su propia creación.
Luego, Kubrick supervisa el paso de algunos de sus films a VHS y el 1990
se reune con los directores Martin Scorsese, Woody Allen, Francis
Coppola, Steven Spielberg, Robert Redford, Sydney Pollack, y George
Lucas para fundar la Film Foundation, una organización que promueve la
restauración y preservación de películas.
LA ULTIMA DECADA
Kubrick quiere volver sobre un viejo proyecto que data de fines de los
setenta: Inteligencia Artificial, pero determina que los efectos
especiales disponibles no alcanzan para llevar a cabo el film. En 1993,
luego de ver Jurassic Park, Kubrick considera que ese es el momento para
I.A. La pre producción se extiende hasta 1995, año en que decide
posponer el film para ocuparse de OJOS BIEN CERRADOS, un film que
muestra unos días en la vida de un matrimonio obsesionado por el sexo y
los celos. El rodaje con Tom Cruise y Nicole Kidman se extendería por
dos años en los Estudios Pinewood cerca de Londres. Los exteriores
nocturnos de la ciudad de New York estan acertadamente logrados dentro
del estudio. Según Cruise y Kidman, es estos dos años se genera una
relación padre-hijo con el matrimonio.
Durante este período Kubrick es premiado con uno de los
honores mas altos de la cinematografía mundial: el premio D.W. Griffith.
Ese mismo año, recibe el León de Oro a la trayectoria en el festival de
Venecia.
El 7 de marzo de 1999, Stanley Kubrick, de 70 años muere de un ataque al corazón.
EL LEGADO
Perfeccionista hasta el límite, -se cuenta que en cierta ocasión hizo
pintar una sala de proyección porque el color de la pared impedía ver
con claridad su película y que controla hasta la temperatura de los
líquidos de revelado-, profundo conocedor del comportamiento humano,
técnicamente superdotado, amante de la música en extremo y, capaz de
saltar de género con una facilidad asombrosa, Stanley Kubrick, uno de
los genios del siglo 20, sigue teniendo mucho que enseñar.
"Si puede ser escrito, o pensado, entonces puede ser filmado".
Stanley Kubrick
Filmografía:
Tres cortometrajes documentales:
Day of the Fight -1951
The Flying Padre -1951
The Seafarers -1953
Trece largometrajes
Fear And Desire -1953
Killer's Kiss -1955
The Killing -1956
Paths Of Glory -1957
Spartacus -1960
Lolita -1962
Dr. Strangelove Or: How I Learned To Stop Worrying And Love The Bomb - 1964
2001: A Space Odyssey -1968
A Clockwork Orange -1971
Barry Lyndon -1975
The Shining - 1980
Full Metal Jacket -1987
Eyes Wide Shut - 1999
Todo
film que comienza con un tema de los Rolling Stones inmediatamente nos
recuerda a Martin Scorsese. Todo film que cuente la historia del mayor
narcotraficante de la historia de los Estados Unidos, en especial su
relación con la mafia Colombiana, probablemente nos recuerde a Scarface,
de Brian De Palma. Y si le agregamos voces en off, camara lenta, imagen
congelada, no quedan dudas. Pero no se trata de Scorsese, ni de De
Palma, sino del director recientemente fallecido Ted Demme.
Blow es una biografía de George Jung (Johnny Depp), hijo de
un trabajador (Ray Liotta) y una ama de casa (Rachel Griffiths) que con
el correr de la película se convertirán en UN PAPA GENIAL y UNA VIEJA
ARPIA respectivamente. En un momento clave de su infancia George se dice
a si mismo que nunca en su vida va a ser pobre, tenga que hacer lo que
tenga que hacer. Y se convierte en narcotraficante. Empezando por el consumo de
marihuana al son de los Beach boys, luego con la ayuda de novia azafata
Barbara (Franka Potente) y su amigo gay Derek (Paul Reubbens), su
comercio, la cárcel y... Pablo Escobar Gaviria, el zar de la producción
de la cocaína en el mundo. George se convertirá en el representante de
Escobar en EE.UU., con todo lo que ello implica (Penélope Cruz,
incluida).
Es inevitable hablar de la excelente actuación de Johnny Depp. En una
primera visión, uno se fija irremediablemente en sus diversos cambios de
look, pero viéndola nuevamente, salta a la luz una expresividad que
hemos visto en pocos actores, ese silencio de miradas que dicen mucho
mas que cualquier texto. Su estilo es único y absolutamente personal. Y ni
hablar de su química con Ray Liotta, quién también tiene una actuación
excelente, ayudado por el maquillaje. Realmente son padre e hijo.
Penélope Cruz interpreta a una joven colombiana, así que no se le puede criticar su
acento o sus claros problemas para hablar inglés. Empieza siendo una
diosa super glomorosa y termina siendo una ama de casa decadente vestida
de jogging y maquillada por demás. Buen desafío.
Extremadamente convincente es el trabajo de la ambientación en los años sesenta, setenta y ochenta, desde el
vestuario, los peinados, los autos, la banda de sonido; todo contribuye a
meternos en ese período. Esta todo tan bien recreado que parece que
estamos mirando un álbum de fotos de nuestros padres en su época de oro.
En síntesis, Ted Demme realiza un gran trabajo dirigiendo esta
película.
Un niño crece en un barrio italoamericano del Bronx. Su padre le da un
consejo: "nada es mas trágico que un talento desperdiciado". El gángster
de la esquina le da otro consejo: "A nadie le importa". Estos consejos
parecen contradictorios, pero el chico se da cuenta de que son una
interesante combinación.
Sin duda, han habido muchas películas sobre mafiosos de barrio, pero
esta es distinta. Es sobre dos hombres que han llevado una vida ardua
pero que quieren a este chico y lo quieren ayudar, cada uno a su manera.
.
La película empieza cuando Colaggero tiene 9 años, y sentado
en la entrada de su edificio, ve a Sonny, el gangster de la esquina,
matar a un hombre en lo que le parece una pelea ordinaria por un espacio
para estacionar. Luego Sonny lo mira a los ojos, y el niño capta el
mensaje: "no hables". El chico habla menos que una tumba y Sonny (Chazz
Palminteri) quiere hacer algo por él: le ofrece un cheque semanal por 150 dólares para su padre. Lorenzo (Robert De Niro) lo rechaza. Es un
trabajador, orgulloso de mantener a su familia manejando un colectivo,
que se considera a si mismo un "mucho mas rudo que los gángsters, que no
consiguen nada sin un arma. Un tipo rudo es aquel que se desloma
trabajando de sol a sol".
Colagero, idolatra a Sonny. Le gusta el modo en que ejerce una
silenciosa autoridad, cómo "habla" con sus manos, la ropa que viste.
Cuando Colagero cumple 17, empieza a trabajar para Sonny, contra los
deseos de su padre. Durante el año en que mayormente se sitúa la
película, aprende lecciones que usará para toda su vida.
"A Bronx Tale" fue escrita para teatro por Palminteri. Basada en una
historia real que el mismo Chaz protagonizó durante su infancia, en el
papel de Colagero.
Lorenzo le habla a su hijo de héroes, refiriéndose al tipo que se
levanta a la mañana y se va a trabajar para mantener a su familia, en
cambio Sonny le dice que no podés vivir pensando en lo que la gente
opine que debas hacer, pues al fin y al cabo, cuando estas mal, a nadie
le interesa ayudarte.
"A Bronx Tale" es graciosa por momentos, y emocionante en otros. Esta
llena de vida y coloridos personajes y excelentes diálogos. De Niro, en
su debut como director, encuentra los tonos correctos para hacer pasar
al espectador de la risa a las lagrimas.
El Padrino III: La Redención de una familia. Se completa una de las más grande sagas en la historia del cine con la
tercera parte de las épicas memorias de la familia Corleone.
Al Pacino desempeña el rol del poderoso líder de la familia, Michael
Corleone. Esta historia se sitúa en los '70, y Michael se ve dominado
por dos pasiones: liberar a su familia del mundo del crimen, y encontrar
un sucesor para su imperio. Ese sucesor podrá ser el brutal Vincent,
interpretado por Andy García. El sobrino de Michael también podrá ser la
chispa que convierta la esperanza de una legitimación financiera en un
infierno de violencia.
Francis Ford Coppola, el director, en realidad no quería que
la película se llamara El Padrino parte tres, "quería que se llamara La
muerte de Michael Corleone, ya que era una historia muy diferente,
sobre todo por la resolución." Al director le llegaron muchos guiones
sobre traficantes de drogas y grandes Carteles. Finalmente el mismo
Coppola y Mario Puzzo escribieron juntos el guión una vez más. "La
pensamos distinto -dice Coppola, como una historia de redención, y de
volver a las raíces sicilianas."
LA FAMILIA
Para Coppola, "Si trabajas con el mismo grupo de personas durante 20
años, se convierten en una parte importante de tu vida. En la trilogía
de El Padrino, usamos viejos colaboradores que se conocían entre ellos
desde hacía varios años, que habían trabajado juntos y aprendido juntos.
De esa manera, podríamos obtener el mismo sabor a espagueti que tan
fuertemente se percibía en las dos películas anteriores, porque
finalmente es una película sobre una familia hecha por una familia."
Lo de la familia, no es únicamente simbólico, ya que la familia de
Francis Coppola fue definitivamente una gran parte del film: su hermana
Talia Shire en el papel de Connie, su hija Sofía (hoy directora de cine)
en el papel de Mary Corleone y su padre componiendo todas las
tarantelas y otras parte de la música.
LA MADURACION
Michael Corleone esta mas viejo ahora y camina con un bastón, sufre de
diabetes y ha pasado sus últimos 20 años -desde la ultima vez que lo
vimos, en El Padrino parte II- tratando de sacar a su familia del crimen
y entrar a los negocios limpios. Según Coppola, "Michael quería ahora
su paz, quería dejar de ser una asesino a sangre fría, pero no podía
salir. Lo demuestra cuando dice: "justo cuando quiero salir, me empujan
hacia adentro otra vez!". Para Puzzo, "Michael es un tipo que se prepara
para la muerte. Esta terminando su vida y se da cuenta que no ha hecho
las cosas bien.
Talia Shire, nos muestra a Connie, la hermana de Michael, que ha llegado
a la mitad de su vida, desde las sombras mas profundas, siempre de
negro, enigmática, y constantemente ayudando a su sobrino Vincent en su
lucha para que Michael lo acepte. "Decidimos que Connie debía ir en otra
dirección -explica Talia Shire, necesitábamos a un contemporáneo de
Michael. Connie, esta fuera del tiempo, fuera del espacio, es como un
fantasma. Ahora, Michael quiere salir...¿Después de todas esa matanzas,
muertes, tragedia, te queres enderezar? ¿Y qué hay de Connie?"
EL RITUAL
Parte del estilo Coppola en esta saga, son los rituales religiosos para
secuencias fundamentales y cuyas resoluciones son asesinatos. En esta
ocasión, se decidió usar el debut de Anthony Corleone como cantante de
opera, con Cavallería Rusticana como el ritual. Coppola dice: "Llevamos todos los personajes a Palermo, y dentro de la
obra misma, los personajes parecen ser los de la película. Anthony, que
siempre se mantuvo al margen de los asuntos de la familia, actúa en la
opera como "uno de ellos", razón por la cual, todos los Corleone en el
palco se ríen de manera cómplice."
PRECAUCION
¡No leer los siguientes párrafos si no se ha visto la película y se tiene interés en verla!
La muerte de Mary llega como algo devastador en la vida de Michael,
quien tendrá que pasar lo poco que le queda de su vida con ese
sufrimiento sobre sus espaldas. Para Mario Puzzo -y para nosotros
tambien- "la actuación de Pacino, la reacción de Michael, su grito ante a
la muerte de su hija es la mejor pieza de actuación que vi en mi vida."
LA MUERTE DE MICHAEL
La escena final, la muerte en soledad de Michale Corleone, nos recuerda a
la muerte de Vito Corleone, solo acompañado por su pequeño nieto en el
jardín. La única compañía de Michael en este momento es su perro, que se
asusta por la caída del cuerpo muerto y luego lo huele. Todos esos
fantasmas de soledad que rondaron siempre a Michael, se hacen presentes
en este último plano.
Para Al Pacino, "La saga de El Padrino es de alguna manera, una
sarcástica metáfora para el American way of life". "Es extraordinario
-reflexiona Talia Shire- hoy han pasado casi 30 años desde la primera
parte, y la obra de Francis sigue reinante. Esa es la principal
característica de una obra de arte, la vigencia". La saga de El Padrino es una obra maestra que perdurara a través de los
tiempos, al igual que todos los que participaron en ella.
Con casi 60 años Brian De Palma es uno de los grandes directores de su
generación -integrada, entre otros, por Scorsese, Coppola, Friedkin,
Lucas, Spielberg- pero que carece del merecido reconocimiento. Su particular dominio de la cámara y el
aroma a Hitchcock que se percibe en toda su obra son características que
no parecen haberle sido útil en ese sentido.
Siempre orientado hacia el thriller de suspenso, con algunos
toque de lo sobrenatural, De Palma inició su carrera en 1968, con
"Murder a la Mod", una historia sobre un director de cine porno y
"Greetings", su primera colaboración con Robert De Niro y su primer
contacto también con el tema Vietnam. Al año siguiente muestra su
comedia "The wedding party" y en 1970, "Hi, Mom!", ambas con De Niro. Su primer trabajo grande fue la sátira "Get to know your rabbitt"
(1972), que produjo bajo la tutela de Warner, y al año siguiente su
primer filme estilo Hitchcock: "Sisters" (1973), en donde toca por
primera vez el tema de la doble personalidad.
Bernard Herrmann (colaborador habitual de Hitchcock) puso la sugerente
música para "El Fantasma del Paraíso" (Phantom of the Paradise, 1974),
una particular versión musical de "El fantasma de la Opera". Si en
"Sisters" había elementos de La Ventana Indiscreta o "Psicosis", en
"Obsession" (1976), un hombre que se enamora de una mujer igual a su
mujer fallecida al sonido de Bernard Herrmann, nos recuerdan claramente a
Vertigo.
Pero sin dudas la adaptación de la Novela de Stephen King, Carrie
("Carrie", 1976) fue su gran despegue: con un reparto que incluía a
Sissy Spacek (que había sido decoradora en "El fantasma del Paraíso"),
Amy Irving, Nancy Allen (que sería durante una época esposa de De Palma y
una de sus actrices fetiches), William Katt y John Travolta. Esta
historia de una adolescente con poderes telequinéticos con un final
bañado en sangre, sirvió de plataforma al estrellato para casi todo el
elenco.
Consolidado en Hollywood, De Palma encadenó un filme tras otro: "La
Furia" (The Fury, 1978), otra vez la telequinesis, otra vez la violencia
en extremo, con inigualables actuaciones de Amy Irving, Kirk Douglas,
John Cassavetes y Andrew Stevens; una comedia que lo transporta de
vuelta a sus inicios "Home movies" (1979), el deslumbrante thriller
"Vestida para matar" (Dressed to kill, 1980), una de las grandes
interpretaciones de Nancy Allen y Michael Caine, donde el homenaje a
"Psicosis" y a "Family plot" del maestro del suspense es evidente.
Definitivamente innovadora es "El Sonido de la muerte" (Blow out,
1981), donde Travolta interpreta a un sonidista de cine B que por
casualidad presencia un asesinato que parece un accidente. En este film,
De palma se adelanta por el lado de la imagen, el sonido, y la trama.
En 1983 llega su primera colaboración con Al Pacino: Scarface, remake
del clásico de Howard Hawks de 1932, esta vez en Miami. La película es
magnífica y Pacino, una vez mas, demuestra porqué es uno de los mejores.
Para destacar, Michelle Pfeifer y María Elizabeth Mastrantonio. 1984 trae "Doble Cuerpo" (Body Double, 1984), una vez mas mezcla de
"Vertigo" y "La ventana indiscreta", y otro amor pasional obsesivo; y la
comedia "Wise guys" (1986) que no tuvo el éxito merecido.
La adaptación de la vieja serie de televisión, "Los intocables " (The
untouchables, 1987) es un éxito: nuevamente, se rodea de estrellas
consagradas y en ascenso (Sean Connery, Andy García y De Niro fuera de
control como Al Capone). Luego, siguió Casualities of war, (1989), su
visión de la guerra de Vietnam, con Michael Fox y Sean Penn y una no muy
exitosa adaptación del libro de Tom Wolfe, "La hoguera de las
vanidades" (The bonfire of vanities, 1990).
"En nombre de Cain" (Raising Cain, 1992), pasó desapercibida, pero fue
coronada con el magistral thriller "Carlito's way" (1993), que podría interpretarse como secuela de Scarface.
Nuevamente Al Pacino nos deleita aquí, pero quien se lleva todos los
laureles es Sean Penn. En 1996, Tom Cruise en papel de productor y
protagonista lo convoca para dirigir la adaptación de la clásica serie
"Misión imposible" (Mission: Impossible, 1996). Esta se convertiría en
su película mas taquillera. Siguen Ojos de Serpiente (Snake Eyes, 1998),
gran thriller que se inicia con un virtuoso plano secuencia de veinte
minutos, la comedia "Mr. Hughes" y su debut en la ciencia ficción con
sus toques de new age, con "Misión a Marte" (Mission to mars, 2000).
Dos jóvenes homosexuales matan a David, un amigo en común, meten su
cadáver en un arcón y dan una fiesta usando ese mismo arcón como mesa. Pequeño
detalle: a la fiesta están invitados, entre otros, la novia y el padre
de David. También asiste Rupert (James Stewart), un ex profesor de los
jóvenes, quien pondrá en peligro los planes de los asesinos. "La Soga" es la primera película en colores filmada por
Alfred Hitchcock y presenta la particularidad de estar hecha en 8 planos
secuencia de diez minutos, es decir, 8 cortes, 8 rollos de película.
Esto acentúa notablemente la intensidad de la historia a puertas
cerradas y en tiempo real. Este film -que es la primera de las cuatro
colaboraciones de Stewart con Hitchcock- fue realizado en 37 días (10 días de ensayo con cámara, actores e iluminación, 18 días de rodaje y
9 días de retomas). A continuación reproducimos algunas declaraciones de
Hitchcock acerca de su experiencia sobre filmar un largometraje en 8
planos. - Desde mi punto de vista no hay nada como la acción continuada para
mantener el tono anímico de los actores, en particular en las historias
de suspenso. En La soga, toda la acción, el asesinato, la fiesta, la
tensión creciente, lo psicológico, el descubrimiento del crimen y su
resolución, transcurren en 80 minutos de la vida real. Aunque tardamos
37 días en hacer la película.
- Algunos de nuestros problemas parecían irresolubles a primera vista.
James Stewart se pasó varias noches sin poder dormir por culpa de su
papel. Le preocupaban mucho mas los desconcertantes problemas técnicos
que el drama cargado de suspenso. Morris Rose seguía manejando la grúa
en sus sueños a las 4 de la madrugada y al final de la película había
perdido 5 kilos. En una ocasión a Joe Valentine, nuestro operador de
cámara, le pasó el travelling de casi 3 toneladas por encima del pie por
no apartarse a tiempo.
- El rodaje exigió meses de preparativos y días agotadores de ensayos.
Cada movimiento de la cámara y de los actores se estudiaba primero en
sesiones intensivas sobre la pizarra como si se tratara de la estrategia
para un partido de fútbol.
- Toda la técnica era un medio para alcanzar un fin. El público no debe
darse nunca cuenta de ello. Si el público se da cuenta que la cámara
esta haciendo milagros, se habría malogrado nuestro objetivo.
- Uno de los engranajes fundamentales de nuestra maquinaria de
planificación anticipada era el montajista Bill Ziegler. Por primera vez
en la carrera de un montador, había que editar el largometraje entes de
que estuviera rodado.
- El artefacto más mágico de todos era el ciclorama: una reproducción
exacta en miniatura de casi 56 kilómetros del perfil de New York,
iluminada por 8 mil bombillas incandescentes y 200 letreros de neón para
los que eran necesarios 150 transformadores.
- La Soga fue un milagro de sincronización. Todo el equipo, desde los
actores, los eléctricos, las scipt, el cámara y yo, nos pasamos semanas
enteras ensayando antes de empezar a rodar.
- Ese arcón en el que guardaban el cuerpo, era prácticamente uno de los
protagonistas. Cada vez que la cámara atravesaba la habitación el arcón
tenía que ser arrastrado fuera del escenario inmediatamente por delante
de la grúa. No olvidemos que no podíamos detenernos para cambiar la
posición de la cámara. Mover el arcón era tarea de cuatro utileros
acurrucados en cuatro patas debajo de la cámara. No solo tenían que
apartar el arcón a una señal dada, sino que tenían que volver a
introducirlo escena cuando regresaba la cámara.
- En el final de la película se oyen "ascender" los sonidos desde la
calle. Para ello puse un micrófono a una distancia equivalente a 6 pisos
del estudio y un grupo de 20 personas que comenzaran a murmurar luego
de que sonaran los disparos. Para la sirena que se acercaba, el estudio
me ofreció colocar un sonido de sirena por fade in, pero no me servía.
Así que pusimos una ambulancia a 2 Km del micrófono y en determinada
señal, el chofer la condujo (con la sirena encendida) hacía el lugar. - El joven actor que interpretaba a la víctima tenía que permanecer dentro
del arcón durante los diez minutos que duraba el primer rollo. Después
de la tercera retoma el actor empezó a sentirse un poco cansado. "Dios,
quiero que lo consigan en esta toma" decía fervorosamente. Esos diez
minutos le parecían horas. - Debido a la manera en que se rodó la película la interpretación de los
actores apenas variaba de una día para otro. De hecho, les pareció una
experiencia muy estimulante. No usamos actores dobles de luz o de
movimientos de cámara, fueron ellos los que lo hicieron, ya que también
debían estar entrenados para no llevarse por delante a un técnico y
seguir las marcas en el piso con precisión. Su colaboración durante los
ensayos intensivos previos fue magnífica.
- James Stewart declaró que La Soga fue su papel mas difícil. Me contó que pensaba "que ocurriría si el resto del
reparto esta perfecto y yo me equivoco en una frase cuando vamos 9
minutos con 30 segundos? Sería la equivocación mas colosal en toda la
historia del cine". "Bueno, le dije, por eso te elegí para el
protagónico.
- Lo que mas divertía a todo el mundo era que yo no miraba la acción ni
una sola vez después de que la cámara empezara a rodar. No tenía sentido
porque no podía hacer nada. Una vez que la cámara empezara a rodar,
tenía que seguir hasta el final del rollo. Mi trabajo terminaba en el
momento que gritaba "Acción!". - Actualmente cuando pienso en ella, me doy cuenta de que era
completamente estúpido porque rompía con todas mis tradiciones y
renegaba sobre mi teoría sobre la fragmentación del film.
- Probablemente La Soga sea la película mas emocionante que he dirigido
nunca. Es el trabajo técnico mas logrado que he hecho, pero el que menos
se ha estimado. El raro trailer que compartimos contiene imágenes filmadas exclusivamente para la promoción de la película y que no entraron en el corte final del film
