STEVEN SPIELBERG

Steven Allan Spielberg nació el 18 de diciembre de 1946 en Cincinnati, Ohio (USA). Con 13 años realizó si primer corto ambientado en el Far West que se tituló "The last gun" (1959), al que siguieron otros como "Escape to Nowhere" (1961) -con su hermana como protagonista - o "Battle Squad" (1961). Con 18 años realizó la película de ciencia-ficción "Firelight" (1964) sobre una ciudad amenazada por una invasión extraterrestre, tras la que iniciaría "Slipstream" (1967) que quedaría inconclusa. 

En 1968 rodó su mítico corto "Amblin" cuyo título daría nombre posteriormente a su productora. También en este año, comenzaría a trabajar en televisión realizando episodios de series, en su mayoría, desconocidas entre nosotros: "The "Name of the Game" (1968), "Night Gallery" (1970), "Par For the Course" (1971)" o "The Psychiatrist" (1971). Uno de sus trabajos más populares de esta época fue el telefilme de Colombo titulado "Columbo: Murder by the Book" (1971).

EL PRIMER SUSPENSO
Sin embargo, Steven fue tomado en serio recién con el rodaje de "El duelo". Originariamente pensada para su exhibición televisiva, contaba la historia de un conductor acosado violenta e insistentemente por un camión a cuyo ocupante no vemos en toda la película. El virtuosismo narrativo y visual mostrado por el joven Steven atrapó la atención de público y crítica. A este obra le seguiría el telefilme de horror "Something evil" (1972) y el thriller "Savage" (1973) con Martin Landau, también para TV. Con una reputación creciente como joven prodigio, Spielberg rueda "Loca evasión" (The Sugarland Express, 1974). Esta road movie no obtuvo demasiado éxito en su momento.

LA PRIMERA OBRA MAESTRA
En 1975 Spielberg rodó su primera obra maestra: "Tiburón" (Jaws, 1975). Nuevamente basandose en el espíritu de Hitchcock, escuela ineludible para los realizadores americanos de su generación, Steven mezcla el suspenso, el terror, el drama costumbrista e incluso la crítica social. Con las extraordinarias interpretaciones de Robert Shaw, Richard Dreyfuss y Roy Scheider, el filme demuestra claramente el absoluto dominio que su autor posee de la narrativa y el ritmo cinematográficos así como de los misteriosos resortes que hacen que un espectador salte de su butaca o se aferre a ella aterrorizado. Pese a los inevitablemente superados efectos especiales, el film nos sigue sorprendiendo aún hoy en día. Suficiente para convertirlo en un clásico.

BIENVENIDA CIENCIA FICCION
Con "Encuentros del tercer tipo" (Close encounters of the third kind, 1977), Spielberg se introduce en la ciencia ficción.. Roy Neary (Richard Dreyfuss) es un obrero que, tras ser testigo de la aparición de un OVNI, ve como su vida cambia radicalmente y una fuerza superior le empuja a acudir a una desolada montaña. Al igual que con "Tiburón" Spielberg cambió la percepción popular de los tiburones, tras "Encuentros...", los OVNIS se convirtieron en tema de conversación de moda... además de reventar nuevamente las taquillas. La pregunta es...¿cómo llegó Francoise Truffaut a actuar en este película?

"1941" (1979}), la ambiciosa comedia situada en California al poco tiempo de producirse el ataque japonés a Pearl Harbor, contó con un enorme presupuesto y la presencia de los grandes actores cómicos del momento (Dan Aykroyd, John Candy y John Belushi), además de otros intérpretes de lujo como Toshiro Mifune o Christopher Lee, "1941" fue un fracaso espectacular.

EN BUSCA DE UN NUEVO CLASICO
"En busca del arca perdida" (Raiders of the Lost Ark, 1981) fue el reencuentro de Steven con las audiencias masivas. Tomando como base una historia de George Lucas (productor del filme) que combinaba el cine de aventuras clásico más los de los entrañables "pulps" de los años 30-40, Spielberg creó el arquetipo del aventurero: Indiana Jones. Encarnado por Harrison Ford, dotada de un ritmo extraordinario, de un uso de la cámara magistral y de unos actores en muy buen estado , "En busca del arca perdida" consigue recuperar el encanto, el dinamismo, el entusiasmo épico y el exótico atractivo del mejor cine de aventuras de todos los tiempos.

UNA PELICULA PARA STEVEN
Tal cual lo habí hecho Alfred Htchcock con Psicosis, casi con un equipo de televisión, Spielberg filma "E.T. el extraterrestre" (E.T. the Extra-Terrestrial, 1982) una película que, según el, ha filmado por gusto personal. Volvió a batir todos los records de taquilla y a abordar uno de sus temas favoritos: la ciencia-ficción. En concreto, retoma la idea de los visitantes del espacio exterior considerados como seres sensibles que tenían mucho que enseñar al ser humano, pero que solo los niños están preparados para recibir.

 

Convertido ahora en productor, produciría la también exitosa "Poltergeist" (1982, Tobe Hooper), un filme de temática paranormal, una vez mas con la familia como telón de fondo pero con un tono mucho más inquietante y terrorífico. Tras dirigir un capítulo de "Twilight Zone: The Movie" (1983) y varios episodios de la serie de TV de culto por él producida "Cuentos asombrosos" (Amazing Stories, 1985), Spielberg y Lucas retomaron las aventuras del arqueólogo con "Indiana Jones y el templo de la perdición" (Indiana Jones and the Temple of Doom, 1984). La película no alcanzó el mismo nivel que la primera .

STEVEN ESCRIBE
"El color púrpura" (The color purple, 1985) un dramón sobre una mujer de color sin suerte, basado en una novela de Alice Walker e interpretado por Whoopi Goldberg y Danny Glover es el primer intento de Spielberg como guionista. El resultado fue humillante: diez nominaciones, cero estatuillas. Sin bajar los brazos, volvió a embarcarse en otro proyecto "personal": "El imperio del sol" (Empire of the Sun, 1987). Basado en la novela autobiográfica de J.G. Ballard, el filme narra la historia de un niñol, James Graham, cuya privilegiada vida es trastocada por la invasión japonesa de Shanghai en 1941. Su público no se entusiasmó precisamente con la historia y la crítica la recibió más que tibiamente.  

Para recuperarse del fiasco de taquilla de estos proyectos, Spielberg volvió a lo seguro con "Indiana Jones y la última cruzada" (Indiana Jones and the Last Crusade, 1989). La presencia de Sean Connery como padre de Indy consigue levantar el film y aportar un poco mas de comicidad que las anteriores. Tras este nuevo éxito, se embarcó en otro proyecto "personal" cuya rentabilidad en taquilla volvió a no ser la esperada: "Always" (1989). Un film algo mas sensible. Con Richard Dreyfuss y Holly Hunter. "Always" era un filme romántico y con pinceladas de humor a cargo del gran John Goodman pero en su momento pasó desapercibido. Más éxito tendría la extraña versión adulta de Peter Pan que fue "Hook" (1991), un filme que fue criticado en su momento porque parecía estar diseñado para su posterior adaptación a un parque temático. Hook fue interpretada por Dustin Hoffman (un perfecto Capitán Garfio), Julia Roberts (una Campanilla de casi 1,80 m.) y Robin Williams (Peter Pan).

PARQUE TAQUILLERO
Amparándose en unos efectos especiales que dejaron sin aliento a medio mundo, Spielberg consiguió revolucionar el concepto del dinosaurio en el cine. Con un realismo y una perfección de movimientos nunca vistos hasta ese momento, pobló la pantalla con una más que verosímil variedad de dinosaurios, en la exitosa adaptación del best-seller de Michael Crichton "Parque jurásico" (Jurassic park, 1993). La trama se suavizó considerablemente respecto al libro (el personaje del magnate John Alfred Hammond, detestable en la novela, era convertido en una especie de abuelito entrañable en el filme) y la inclusión de unos niños convirtiendo el producto en netamente familiar.

 

POR SI HACIA FALTA...
Tocado por su herencia judía e intentando aleccionar al mundo acerca de los horrores del nazi, Steven emprende su proyecto más ambicioso: "La lista de Schlinder" (Schlinder's list, 1993) un filme en blanco y negro de 197 minutos, basado en la novela de Thomas Keneally sobre la figura real de Oskar Schlinder, un empresario alemán afín al movimiento nazi que, no obstante, salvó a 1100 judíos de morir en la cámara de gas. Por primera vez, los payasos de la academia (no nos referimos a Racing Club) se tomaron un ratito y vieron un film de Steven: 7 Oscars sobre 12 candidaturas (Mejor película, mejor director, mejor banda sonora original, mejor montaje, mejor guión adaptado y mejores decorados). 

Tras este filme fundamental en su carrera, rodaría la inevitable secuela jurásica, "El mundo perdido: Jurassic park" (The lost world: Jurassic park, 1997) y, en su faceta "de autor comprometido", el alegato antirracista "Amistad" (1997), otro filme personal, con Anthony Hopkins y Morgan Freeman. Paralelamente, desarrollaba y rodaba el proyecto que verdaderamente le interesaba en ese momento: "Rescatando al soldado Ryan" (Saving private Ryan, 1998) un manifiesto contra los horrores de la guerra, cuyos impactantes e inigualables minutos iniciales hicieron correr ríos de sangre.

Con "A.I.: inteligencia artificial" (A.I.: artificial intelligence, 2001) retoma un proyecto largamente acariciado por el fallecido Stanley Kubrick sobre el fascinante tema de la inteligencia artificial.
Así, la trayectoria de Spielberg demuestra gran habilidad para mezclarr proyectos netamente comerciales con otros mucho más ambiciosos artísticamente a los que dedica más esfuerzo e ilusión, mientras su imperio Dreamworks produce éxitos sin fin e, incluso, revoluciona el género de la animación.

Creo que la conclusión es simple: Spielberg merece un lugar privilegiado entre los grandes realizadores de la historia del cine.

El funeral - Abel Ferrara - 1996

El Funeral, genial película de Abel Ferrara, se erige como una de las películas de gángsters mas innovadoras, desde El Padrino. Siguiendo con el constante trasfondo familiar que nos suelen mostrar este tipo de películas -a esta altura, un género por sí mismo-, El Funeral nos muestra una serie de crudísimos enfrentamientos en el seno de una única familia, los Tempio.
 
La película esta situada en el funeral de Johnny (Vincent Gallo) y esta integrada por permanentes flashbacks que nos ayudan a armar el rompecabezas de cómo, por quién, cuándo y porqué, fue asesinado el menor de los tres hermanos. A medida que transcurre el film, vamos descubriendo las personalidades de los 3 hermanos: Johnny es un pequeño revolucionario, asiduo asistente de mitines comunistas; Chez (Chris Penn), es el hermano del medio, diez veces mas temerario cuando levanta presión, que cuando saca un arma; y Ray, (Christopher Walken) es el hermano mayor, rudo, pero extremadamente pensante y reflexivo, ligado a las mafias sindicales, que indefectiblemente lo enfrentará a su hermanos menor. Si a esto le sumamos las turbulentas presencias de las esposas y amantes de los hermanos, la visita constante del jefe de la familia enemiga (Benicio Del Toro) algunas de las crudas escenas marca registrada de Abel Ferrara, y las bases de la tragedia griega aggiornadas a la década del 30, obtenemos un cocktail explosivo y que nos resultará imposible rechazar.

La película es corta, no dura mas de 1 hora y media. Dentro de una admirable dirección de fotografía y una cautivante banda sonora, abundan, actuaciones magistrales. Por citar solo uno, el desempeño de Benicio del Toro, que todavía estaba a unos años de su consagración comercial, es simplemente admirable. Escucharlo hablar en italiano realmente nos retrotrae sin duda al Vito Corleone de Marlon Brando.

Eso si, lo que hay que remarcar es que la película tiene su ritmo, cosa que favorece notablemente a los actores. Conclusión: si les gustan las películas de gángsters, pero fundamentalmente las buenas actuaciones, no se la deben perder.

Director: Abel Ferrara

Ficha Técnica: IMDB

Publicado originalmente en www.tljdigital.com

 

 

STANLEY KUBRICK

RETRATO DE UN GENIO
Stanley Kubrick nace en Bronx, Nueva York el 26 de Julio de 1928. A los doce años su padre le transmite su pasión por el ajedrez, del que se convierte en un especialista y al que muchos atribuyen su meticulosidad y cerebralidad. A los 13, comienza a tocar la batería, focalizando su gusto por el jazz, y su padre le regala una cámara fotográfica iniciando su pasión por la imagen. Kubrick fotografía todo lo que se cruza hasta que un día, decide vender sus fotos a la revista Look. A los 17, entra como fotógrafo estable de la revista.

Hasta los 21 años se dedica a viajar por toda Norteamérica siendo uno de los fotógrafos más prestigiosos y mejor pagos. Todos estos viajes abren sus ojos y su hambre por el conocimiento. Ingresa como oyente a la Universidad de Columbia, visita asiduamente el Museo de Arte Moderno, y comienza a participar en torneos de ajedrez, que le reportan ganancias.

LOS PRIMEROS CORTOS
En 1950, con 23 años, decide hacer su primer cortometraje. Con la ayuda de 3.900 dólares ahorrados, Kubrick filma DAY OF THE FIGHT con una cámara de 35 milímetros marca Eyemo que aprende a manejar en una mañana en la Camera Equipment Company. Un empleado de esa empresa que le alquila el equipo, le enseña a empalmar, a cortar y a usar el sincronizador. La película es vendida a la RKO por 4.000 dólares cumpliéndose el sueño de cualquier realizador primerizo: que su película sea exhibida públicamente. El corto, de 16 minutos de duración, es sobre el boxeador Walter Cartier. Como enseñanza de esos primeros años, Kubrick nos dice que "lo mejor que pueden hacer los jóvenes realizadores es conseguir una cámara y hacer una película de cualquier tipo". 

Su siguiente documental, FLYING PADRE, de 9 minutos, trata sobre un cura que vuela 400 millas en un Piper. Kubrick una vez mas, es director, fotógrafo, sonidista y editor.

Su primer film en color es un encargo: un documental de 30 minutos llamado THE SEAFARERS.

LARGOMETRAJES CON DINERO PRESTADO
En 1953 pide prestado 13 mil dólares a su familiares y amigos para financiar su primer largo: FEAR AND DESIRE. Ese mangazo de 13 mil, se convierte en uno de 40 mil, esta vez para hacer KILLER'S KISS.

Para 1956, el cine ya le empieza a reportar ganancias. Kubrick salda sus deudas al conocer al productor James Harris, que lo lleva a Hollywood para realizar su primer película de Estudio: THE KILLING, conocida como Casta de Malditos. Kubrick cuenta con 320 mil dólares de presupuesto y un notable elenco para esa época. 

La primera novedad en The Killing es que Kubrick tiene a su disposición los servicios de Lucien Ballard, uno de los mas experimentados Directores de Fotografía de ese momento. El trabajo produce uno de los mas interesantes ambientes visuales que se pueden hallar en un policial negro. La calidad del blanco y negro logrado por Ballard contribuye para añadirle a la historia un tono sórdido y deprimente que va muy bien con el estilo visual y narrativo impuesto por el director Kubrick. Además de esto, Kubrick realiza un interesante experimento de montaje, retrocediendo repentinamente en el tiempo para mostrar los preparativos del asalto desde los diversos puntos de vista de sus protagonistas.

Así como este film demostró la habilidad de Kubrick de imitador, mencionando Rashomon, de Kurosawa, seis años antes, Quentin Tarantino haría lo propio 35 años después, con su opera Prima Perros de la Calle. En The Killing se solidifican las cualidades de Kubrick respecto al encuadre y a la presentación especial de sus escenas, todo esto reforzado por la iluminación dura y constante de Ballard.

LA PRIMER OBRA MAESTRA
Kubrick conoce al novelista Calder Willingham, mientras preparan un guión para The Burning Secret, pero el proyecto nunca se concreta. No obstante, la sociedad de Kubrick con Willingham, junto con Jim Thompson, deriva en el guión de PATHS OF GLORY (en castellano, Senderos de Gloria, aunque es conocida como La Patrulla Infernal). Todos los estudios rechazan el proyecto hasta que Kirk Douglas acepta protagonizarla. El resultado: el primer clásico de Kubrick, y una de sus mejores películas.
Con un presupuesto de 935 mil dólares, el film es realizado en Munich, Alemania. Paths of Glory registra el primer encuentro serio de Kubrick con la censura, en este caso, la del gobierno francés, que se opone a que la película se filme en Francia por la mala posición en que queda su ejército en la historia. El director de fotografía Georges Krause y Kubrick optan por trabajar el blanco y negro para obtener un rango mucho mas amplio de grises, y con menor contraste. Este tratamiento fotográfico le da un aire totalmente convincente al ambiente de las trincheras y, en particular, a la secuencia del asalto al Hormiguero. Esta es filmada por Kubrick de una forma típicamente meticulosa: "Para esta secuencia utilizamos seis cámaras, una detrás de otra, sobre un largo riel que corría paralelo al ataque. Yo mismo opere una Arriflex con un lente zoom para concentrarme en Kirk Douglas".

 


Luego de esto, Kubrick pasa los dos años siguientes trabajando en dos guiones que no se llevarían a film: I Stole 16 Million Dollars, sobre la guerrilla sudamericana y One Eyed Jacks, un film que Marlon Brando decidiría dirigir el mismo.

POR ENCARGO
In 1959, Kirk Douglas produce ESPARTACO. El director Anthony Mann es despedido dos semanas después de comenzado el rodaje y Douglas le ofrece a Kubrick el puesto. Con un costo de 12 millones de dólares, Espartaco gana el Globo de Oro a la mejor película y reporta ganancias por 13 millones.

Kubirk: "Espartaco fue el único film sobre el cual no tuve control, y creo que esto no ayudo al resultado final. Obviamente, yo dirigí a los actores, compuse las escenas y edite el film de manera que, dentro de la debilidad del argumento, trate de hacerlo lo mejor posible". La película contó con la última tecnología, ya que fue filmada en Super Technirama 70 y editada en 6 canales de audio. Mas allá de ser una película por encargo y no ser 100% Kubrick, Espartaco sirvió para que mucha gente conozca a este nuevo director.

LOS SESENTA
En esta década Kubrick lleva a la pantalla a la controversial novela de Vladimir Nabokov, LOLITA, sobre un el affair entre un adulto (James Mason) y una adolescente. Kubrick ya establecido en Londres, muestra una particular fascinación por la Guerra Fría y filma DR. STRANGELOVE, mezcla de comedia con ciencia-ficción. La película, protagonizada por Peter Sellers y George Scott, es muy bien recibida por la crítica incluyendo nominaciones al Oscar para Kubrick como co-autor, director, y productor. El desempeño de Peter Sellers es simplemente desopilante.

LA CONSAGRACION DEFINITIVA
Por si hacía falta, Kubrick confirma su condición de Genio con la adaptación de la novela de Arthur C. Clarke. 2001: ODISEA DEL ESPACIO es considerada no solo un icono del cine de ciencia-ficción, sino un cambio de rumbo en la historia del cine en general. Obtiene nuevas nominaciones al Oscar por guión y dirección, y gana su único premio de la academia por diseño y dirección de efectos especiales. Este film tiene la particularidad de contener solo 40 minutos de dialogo. La mayoría de los cambios en el guión, fueron hechos por Kubrick en la sala de montaje, y aún luego de la premiere en abril de 1968, el director cortó otros 19 minutos.

Según Kubrick, "si 2001 ha tocado tus emociones, entonces ha tenido éxito." Geroge Lucas dice que "2001 es la mejor película de ciencia-ficción de la historia, y nada ni nadie podrá superarla". Con respecto al mensaje y al significado, Kubrick se pregunta "¿Cómo podríamos apreciar la Mona Lisa si Leonardo habría escrito al pie 'La dama sonríe porque esconde un secreto de su amante'. Esto colocaría al que observa la obra en un piso de realidad, y no quiero que eso le suceda a 2001." 

El siguiente plan de Kubrick es Napoleón, pero teniendo en cuenta el desastre económico que significó Waterloo, film relacionado con el célebre personaje, Warner decide no apoyar el proyecto.

KUBRICK POLEMICO
Cuenta la leyenda que en el verano del 69 Terry Southern, co-autor de Dr. Strangelove, le regaló a Kubrick la novela A Clockwork Orange. El director la leyó dos veces seguidas. Había quedado fascinado. El costado mas transgresor de Kubrick sale a la luz: llega A CLOCKWORK ORANGE - LA NARANJA MECÁNICA. Mas allá de su calificación X en EE.UU., el film es bien recibido por el público en general, incluyendo las habituales nominaciones al Oscar como director, productor y guionista. Básicamente se trata de cómo Alex, una especie de adicto a la violencia, es rehabilitado con un nuevo y poco ortodoxo método de reinserción social.

Cámaras mas livianas, lentes mas precisos e innovadores equipos de sonido hacen la filmación en locaciones originales mucho mas fáciles. Los flamantes micrófonos Sennheiser MK 12 dan un registro tan preciso que no es necesario doblar ninguna escena, algo poco habitual para la época. Casi todo el film es iluminado con luces muy pequeñas (luces de fotografía y pequeños faroles de no más de 100 watts con paraguas reflectores) para el óptimo aprovechamiento del poco espacio en las locaciones.

Malcolm MacDowell, protagonista, cuenta que "el registro de las voces en off fue tan duro, que cuando me sentía demasiado presionado, Stanley detenía la grabación y me desafiaba al ping pong en una mesa que había en el estudio. Eso sí, al momento de pagarme mi sueldo, me descontó una semana en concepto de 'ping pong'".

El film tiene éxito en Inglaterra, pero dura muy poco en cartelera, ya que casi todos los crímenes que se cometen durante esos días en el país son atribuidos a la película. En un caso, una mujer fue violada por una pandilla de jóvenes que cantaban "Singing in the Rain." El mismo Kubrick, que describió a su obra como "una sátira social.", fue quien decidió sacarla de cartel.

KUBRICK EPICO
Un nuevo cambio de dirección llega con BARRY LYNDON, una historia ambientada en el siglo 18 basada en la novela de William Makepeace Thackery. Protagonizada por Ryan O'Neill, esta es la película de Kubrick que mas nominaciones al Oscar obtuvo.

La elección del vestuario es meticulosa hasta el límite. Entre libros de arte y subastas de ropas de la época, Kubrick pone a 35 sastres y modistas a confeccionar el vestuario con la misma metodología que en aquellos tiempos. Los muebles, el armamento, el transporte y la arquitectura, reciben el mismo tratamiento. Para la fotografía, el director se basa en cuadros del períododo, usando velas y lamparas de aceite como fuentes verdaderas de luz, y un lentes supersensibles diseñados por la NASA. Esto le da a los encuadres un visión particularmente plana, con poca profundidad de campo, lo que hace a la película mas similar a los cuadros.

DE TERROR
En 1980, 5 años después, Kubrick colabora con el cine de terror con la adaptación de la novela de Stephen King, EL RESPLANDOR. Esta violenta historia de una familia aislada en un hotel en medio de las montañas, tal vez no cambió el genero de terror, pero si instauró una nueva manera de acercarse al mismo. Este no es el primer film en usar steadycam, como se suele decir, sino el primero en que se le da un uso efectivo. Los paseos en triciclo del pequeño Danny, el tour por la cocina, o el escape a través del laberinto, difícilmente hubieran sido tan efectivos sin este aparato.

.
A LA GUERRA OTRA VEZ
Pasan siete largos años y Kubrick vuelve con FULL METAL JACKET - NACIDO PARA MATAR, un drama de guerra sobre el entrenamiento de los Marines y su desempeño en el campos de batalla en Vietnam.

Como anécdota, Lee Ermy, un instructor militar ex combatiente cuya función original es asesorar técnicamente en el terreno de las armas y los movimientos de los soldados, es elegido para el papel del Sargento Hartman, luego de que Kubrick observe la violenta y realista manera en que maneja a los actores durante el casting. La mayoría de los terribles insultos escupidos a los reclutas, son de su propia creación.

Luego, Kubrick supervisa el paso de algunos de sus films a VHS y el 1990 se reune con los directores Martin Scorsese, Woody Allen, Francis Coppola, Steven Spielberg, Robert Redford, Sydney Pollack, y George Lucas para fundar la Film Foundation, una organización que promueve la restauración y preservación de películas.

LA ULTIMA DECADA
Kubrick quiere volver sobre un viejo proyecto que data de fines de los setenta: Inteligencia Artificial, pero determina que los efectos especiales disponibles no alcanzan para llevar a cabo el film. En 1993, luego de ver Jurassic Park, Kubrick considera que ese es el momento para I.A. La pre producción se extiende hasta 1995, año en que decide posponer el film para ocuparse de OJOS BIEN CERRADOS, un film que muestra unos días en la vida de un matrimonio obsesionado por el sexo y los celos. El rodaje con Tom Cruise y Nicole Kidman se extendería por dos años en los Estudios Pinewood cerca de Londres. Los exteriores nocturnos de la ciudad de New York estan acertadamente logrados dentro del estudio. Según Cruise y Kidman, es estos dos años se genera una relación padre-hijo con el matrimonio.

Durante este período Kubrick es premiado con uno de los honores mas altos de la cinematografía mundial: el premio D.W. Griffith. Ese mismo año, recibe el León de Oro a la trayectoria en el festival de Venecia.

El 7 de marzo de 1999, Stanley Kubrick, de 70 años muere de un ataque al corazón.

EL LEGADO
Perfeccionista hasta el límite, -se cuenta que en cierta ocasión hizo pintar una sala de proyección porque el color de la pared impedía ver con claridad su película y que controla hasta la temperatura de los líquidos de revelado-, profundo conocedor del comportamiento humano, técnicamente superdotado, amante de la música en extremo y, capaz de saltar de género con una facilidad asombrosa, Stanley Kubrick, uno de los genios del siglo 20, sigue teniendo mucho que enseñar.

"Si puede ser escrito, o pensado, entonces puede ser filmado".
Stanley Kubrick


Filmografía:

Tres cortometrajes documentales:
Day of the Fight -1951
The Flying Padre -1951
The Seafarers -1953

Trece largometrajes
Fear And Desire -1953
Killer's Kiss -1955
The Killing -1956
Paths Of Glory -1957
Spartacus -1960
Lolita -1962
Dr. Strangelove Or: How I Learned To Stop Worrying And Love The Bomb - 1964
2001: A Space Odyssey -1968
A Clockwork Orange -1971
Barry Lyndon -1975
The Shining - 1980
Full Metal Jacket -1987
Eyes Wide Shut - 1999

Blow - Ted Demme - 2001

Todo film que comienza con un tema de los Rolling Stones inmediatamente nos recuerda a Martin Scorsese. Todo film que cuente la historia del mayor narcotraficante de la historia de los Estados Unidos, en especial su relación con la mafia Colombiana, probablemente nos recuerde a Scarface, de Brian De Palma. Y si le agregamos voces en off, camara lenta, imagen congelada, no quedan dudas. Pero no se trata de Scorsese, ni de De Palma, sino del director recientemente fallecido Ted Demme.
 
Blow es una biografía de George Jung (Johnny Depp), hijo de un trabajador (Ray Liotta) y una ama de casa (Rachel Griffiths) que con el correr de la película se convertirán en UN PAPA GENIAL y UNA VIEJA ARPIA respectivamente. En un momento clave de su infancia George se dice a si mismo que nunca en su vida va a ser pobre, tenga que hacer lo que tenga que hacer. Y se convierte en narcotraficante. Empezando por el consumo de marihuana al son de los Beach boys, luego con la ayuda de novia azafata Barbara (Franka Potente) y su amigo gay Derek (Paul Reubbens), su comercio, la cárcel y... Pablo Escobar Gaviria, el zar de la producción de la cocaína en el mundo. George se convertirá en el representante de Escobar en EE.UU., con todo lo que ello implica (Penélope Cruz, incluida). 



Es inevitable hablar de la excelente actuación de Johnny Depp. En una primera visión, uno se fija irremediablemente en sus diversos cambios de look, pero viéndola nuevamente, salta a la luz una expresividad que hemos visto en pocos actores, ese silencio de miradas que dicen mucho mas que cualquier texto. Su estilo es único y absolutamente personal. Y ni hablar de su química con Ray Liotta, quién también tiene una actuación excelente, ayudado por el maquillaje. Realmente son padre e hijo. Penélope Cruz interpreta a una joven colombiana, así que no se le puede criticar su acento o sus claros problemas para hablar inglés. Empieza siendo una diosa super glomorosa y termina siendo una ama de casa decadente vestida de jogging y maquillada por demás. Buen desafío.

Extremadamente convincente es el trabajo de la ambientación en los años sesenta, setenta y ochenta, desde el vestuario, los peinados, los autos, la banda de sonido; todo contribuye a meternos en ese período. Esta todo tan bien recreado que parece que estamos mirando un álbum de fotos de nuestros padres en su época de oro. En síntesis, Ted Demme realiza un gran trabajo dirigiendo esta película. 

Director: Ted Demme

Ficha Técnica: IMDB

Publicado originalmente en www.tljdigital.com

Una luz en el infierno - Robert De Niro - 1993

Un niño crece en un barrio italoamericano del Bronx. Su padre le da un consejo: "nada es mas trágico que un talento desperdiciado". El gángster de la esquina le da otro consejo: "A nadie le importa". Estos consejos parecen contradictorios, pero el chico se da cuenta de que son una interesante combinación. Sin duda, han habido muchas películas sobre mafiosos de barrio, pero esta es distinta. Es sobre dos hombres que han llevado una vida ardua pero que quieren a este chico y lo quieren ayudar, cada uno a su manera. .

La película empieza cuando Colaggero tiene 9 años, y sentado en la entrada de su edificio, ve a Sonny, el gangster de la esquina, matar a un hombre en lo que le parece una pelea ordinaria por un espacio para estacionar. Luego Sonny lo mira a los ojos, y el niño capta el mensaje: "no hables". El chico habla menos que una tumba y Sonny (Chazz Palminteri) quiere hacer algo por él: le ofrece un cheque semanal por 150 dólares para su padre. Lorenzo (Robert De Niro) lo rechaza. Es un trabajador, orgulloso de mantener a su familia manejando un colectivo, que se considera a si mismo un "mucho mas rudo que los gángsters, que no consiguen nada sin un arma. Un tipo rudo es aquel que se desloma trabajando de sol a sol".

Colagero, idolatra a Sonny. Le gusta el modo en que ejerce una silenciosa autoridad, cómo "habla" con sus manos, la ropa que viste. Cuando Colagero cumple 17, empieza a trabajar para Sonny, contra los deseos de su padre. Durante el año en que mayormente se sitúa la película, aprende lecciones que usará para toda su vida.

"A Bronx Tale" fue escrita para teatro por Palminteri. Basada en una historia real que el mismo Chaz protagonizó durante su infancia, en el papel de Colagero. Lorenzo le habla a su hijo de héroes, refiriéndose al tipo que se levanta a la mañana y se va a trabajar para mantener a su familia, en cambio Sonny le dice que no podés vivir pensando en lo que la gente opine que debas hacer, pues al fin y al cabo, cuando estas mal, a nadie le interesa ayudarte.

"A Bronx Tale" es graciosa por momentos, y emocionante en otros. Esta llena de vida y coloridos personajes y excelentes diálogos. De Niro, en su debut como director, encuentra los tonos correctos para hacer pasar al espectador de la risa a las lagrimas. 

Director: Robert De Niro

Ficha Técnica: IMDB

Publicado originalmente en www.tljdigital.com

EL PADRINO III - Francis Ford Coppola - 1990

El Padrino III: La Redención de una familia. Se completa una de las más grande sagas en la historia del cine con la tercera parte de las épicas memorias de la familia Corleone. Al Pacino desempeña el rol del poderoso líder de la familia, Michael Corleone. Esta historia se sitúa en los '70, y Michael se ve dominado por dos pasiones: liberar a su familia del mundo del crimen, y encontrar un sucesor para su imperio. Ese sucesor podrá ser el brutal Vincent, interpretado por Andy García. El sobrino de Michael también podrá ser la chispa que convierta la esperanza de una legitimación financiera en un infierno de violencia.

Francis Ford Coppola, el director, en realidad no quería que la película se llamara El Padrino parte tres, "quería que se llamara La muerte de Michael Corleone, ya que era una historia muy diferente, sobre todo por la resolución." Al director le llegaron muchos guiones sobre traficantes de drogas y grandes Carteles. Finalmente el mismo Coppola y Mario Puzzo escribieron juntos el guión una vez más. "La pensamos distinto -dice Coppola, como una historia de redención, y de volver a las raíces sicilianas."

LA FAMILIA
Para Coppola, "Si trabajas con el mismo grupo de personas durante 20 años, se convierten en una parte importante de tu vida. En la trilogía de El Padrino, usamos viejos colaboradores que se conocían entre ellos desde hacía varios años, que habían trabajado juntos y aprendido juntos. De esa manera, podríamos obtener el mismo sabor a espagueti que tan fuertemente se percibía en las dos películas anteriores, porque finalmente es una película sobre una familia hecha por una familia." Lo de la familia, no es únicamente simbólico, ya que la familia de Francis Coppola fue definitivamente una gran parte del film: su hermana Talia Shire en el papel de Connie, su hija Sofía (hoy directora de cine) en el papel de Mary Corleone y su padre componiendo todas las tarantelas y otras parte de la música.

LA MADURACION
Michael Corleone esta mas viejo ahora y camina con un bastón, sufre de diabetes y ha pasado sus últimos 20 años -desde la ultima vez que lo vimos, en El Padrino parte II- tratando de sacar a su familia del crimen y entrar a los negocios limpios. Según Coppola, "Michael quería ahora su paz, quería dejar de ser una asesino a sangre fría, pero no podía salir. Lo demuestra cuando dice: "justo cuando quiero salir, me empujan hacia adentro otra vez!". Para Puzzo, "Michael es un tipo que se prepara para la muerte. Esta terminando su vida y se da cuenta que no ha hecho las cosas bien.
Talia Shire, nos muestra a Connie, la hermana de Michael, que ha llegado a la mitad de su vida, desde las sombras mas profundas, siempre de negro, enigmática, y constantemente ayudando a su sobrino Vincent en su lucha para que Michael lo acepte. "Decidimos que Connie debía ir en otra dirección -explica Talia Shire, necesitábamos a un contemporáneo de Michael. Connie, esta fuera del tiempo, fuera del espacio, es como un fantasma. Ahora, Michael quiere salir...¿Después de todas esa matanzas, muertes, tragedia, te queres enderezar? ¿Y qué hay de Connie?"

EL RITUAL
Parte del estilo Coppola en esta saga, son los rituales religiosos para secuencias fundamentales y cuyas resoluciones son asesinatos. En esta ocasión, se decidió usar el debut de Anthony Corleone como cantante de opera, con Cavallería Rusticana como el ritual. Coppola dice: "Llevamos todos los personajes a Palermo, y dentro de la obra misma, los personajes parecen ser los de la película. Anthony, que siempre se mantuvo al margen de los asuntos de la familia, actúa en la opera como "uno de ellos", razón por la cual, todos los Corleone en el palco se ríen de manera cómplice."

PRECAUCION
¡No leer los siguientes párrafos si no se ha visto la película y se tiene interés en verla!

La muerte de Mary llega como algo devastador en la vida de Michael, quien tendrá que pasar lo poco que le queda de su vida con ese sufrimiento sobre sus espaldas. Para Mario Puzzo -y para nosotros tambien- "la actuación de Pacino, la reacción de Michael, su grito ante a la muerte de su hija es la mejor pieza de actuación que vi en mi vida."

LA MUERTE DE MICHAEL
La escena final, la muerte en soledad de Michale Corleone, nos recuerda a la muerte de Vito Corleone, solo acompañado por su pequeño nieto en el jardín. La única compañía de Michael en este momento es su perro, que se asusta por la caída del cuerpo muerto y luego lo huele. Todos esos fantasmas de soledad que rondaron siempre a Michael, se hacen presentes en este último plano.
Para Al Pacino, "La saga de El Padrino es de alguna manera, una sarcástica metáfora para el American way of life". "Es extraordinario -reflexiona Talia Shire- hoy han pasado casi 30 años desde la primera parte, y la obra de Francis sigue reinante. Esa es la principal característica de una obra de arte, la vigencia". La saga de El Padrino es una obra maestra que perdurara a través de los tiempos, al igual que todos los que participaron en ella. 

Director: Francis For Coppola

Ficha Técnica: IMDB

Publicado originalmente en www.tljdigital.com

Brian De Palma

Con casi 60 años Brian De Palma es uno de los grandes directores de su generación -integrada, entre otros, por Scorsese, Coppola, Friedkin, Lucas, Spielberg- pero que carece del merecido reconocimiento. Su particular dominio de la cámara y el aroma a Hitchcock que se percibe en toda su obra son características que no parecen haberle sido útil en ese sentido. 
 

Siempre orientado hacia el thriller de suspenso, con algunos toque de lo sobrenatural, De Palma inició su carrera en 1968, con "Murder a la Mod", una historia sobre un director de cine porno y "Greetings", su primera colaboración con Robert De Niro y su primer contacto también con el tema Vietnam. Al año siguiente muestra su comedia "The wedding party" y en 1970, "Hi, Mom!", ambas con De Niro. Su primer trabajo grande fue la sátira "Get to know your rabbitt" (1972), que produjo bajo la tutela de Warner, y al año siguiente su primer filme estilo Hitchcock: "Sisters" (1973), en donde toca por primera vez el tema de la doble personalidad. 

Bernard Herrmann (colaborador habitual de Hitchcock) puso la sugerente música para "El Fantasma del Paraíso" (Phantom of the Paradise, 1974), una particular versión musical de "El fantasma de la Opera". Si en "Sisters" había elementos de La Ventana Indiscreta o "Psicosis", en "Obsession" (1976), un hombre que se enamora de una mujer igual a su mujer fallecida al sonido de Bernard Herrmann, nos recuerdan claramente a Vertigo. 

Pero sin dudas la adaptación de la Novela de Stephen King, Carrie ("Carrie", 1976) fue su gran despegue: con un reparto que incluía a Sissy Spacek (que había sido decoradora en "El fantasma del Paraíso"), Amy Irving, Nancy Allen (que sería durante una época esposa de De Palma y una de sus actrices fetiches), William Katt y John Travolta. Esta historia de una adolescente con poderes telequinéticos con un final bañado en sangre, sirvió de plataforma al estrellato para casi todo el elenco.

Consolidado en Hollywood, De Palma encadenó un filme tras otro: "La Furia" (The Fury, 1978), otra vez la telequinesis, otra vez la violencia en extremo, con inigualables actuaciones de Amy Irving, Kirk Douglas, John Cassavetes y Andrew Stevens; una comedia que lo transporta de vuelta a sus inicios "Home movies" (1979), el deslumbrante thriller "Vestida para matar" (Dressed to kill, 1980), una de las grandes interpretaciones de Nancy Allen y Michael Caine, donde el homenaje a "Psicosis" y a "Family plot" del maestro del suspense es evidente. 

Definitivamente innovadora es "El Sonido de la muerte" (Blow out, 1981), donde Travolta interpreta a un sonidista de cine B que por casualidad presencia un asesinato que parece un accidente. En este film, De palma se adelanta por el lado de la imagen, el sonido, y la trama. En 1983 llega su primera colaboración con Al Pacino: Scarface, remake del clásico de Howard Hawks de 1932, esta vez en Miami. La película es magnífica y Pacino, una vez mas, demuestra porqué es uno de los mejores. Para destacar, Michelle Pfeifer y María Elizabeth Mastrantonio. 1984 trae "Doble Cuerpo" (Body Double, 1984), una vez mas mezcla de "Vertigo" y "La ventana indiscreta", y otro amor pasional obsesivo; y la comedia "Wise guys" (1986) que no tuvo el éxito merecido.

La adaptación de la vieja serie de televisión, "Los intocables " (The untouchables, 1987) es un éxito: nuevamente, se rodea de estrellas consagradas y en ascenso (Sean Connery, Andy García y De Niro fuera de control como Al Capone). Luego, siguió Casualities of war, (1989), su visión de la guerra de Vietnam, con Michael Fox y Sean Penn y una no muy exitosa adaptación del libro de Tom Wolfe, "La hoguera de las vanidades" (The bonfire of vanities, 1990). 


"En nombre de Cain" (Raising Cain, 1992), pasó desapercibida, pero fue coronada con el magistral thriller "Carlito's way" (1993), que podría interpretarse como secuela de Scarface. Nuevamente Al Pacino nos deleita aquí, pero quien se lleva todos los laureles es Sean Penn. En 1996, Tom Cruise en papel de productor y protagonista lo convoca para dirigir la adaptación de la clásica serie "Misión imposible" (Mission: Impossible, 1996). Esta se convertiría en su película mas taquillera. Siguen Ojos de Serpiente (Snake Eyes, 1998), gran thriller que se inicia con un virtuoso plano secuencia de veinte minutos, la comedia "Mr. Hughes" y su debut en la ciencia ficción con sus toques de new age, con "Misión a Marte" (Mission to mars, 2000). 
 

Filmografía completa: IMDB

Publicado originalmente en www.tljdigital.com