A 32 años del bebé de Rosemary, Roman Polansky no teme en volver a
invocar a Satanás y en volver a meter a su esposa en el medio. Esta vez,
con detectivescos aires de policial negro, y cambiando New York por
España, Francia y Portugal, nos vuelve a mostrar en La última puerta (en
realidad, es la novena) su estupendo manejo del suspenso. Lo cual no es
poco en el cine actual.
De por sí, lo que el protagonista hace para comer, es
sumamente atractivo. Johnny Depp es Dean Corso, un especie de detective
literario, mezcla de joven intelectual y mercenario. Su
trabajo, en la teoría es manejar los intereses de fanáticos
coleccionistas de libros antiguos y esencialmente caros. Su único
fin es lucrar con la diferencia que pueda hacer entre sus adinerados
clientes. Uno de ellos es Frank Langella, un profesor amante de Lucifer
que posee toda una biblioteca dedicada a ese personaje. Su objetivo es completar una trilogía de libros llamados "Las nueve
puertas del reino de las sombras" y para eso le fantan dos.
De esta manera, Corso viajará por Europa -en especial Francia y España,
de donde provienen gran parte de los inversores del film-, correrá
muchos peligros, verá varios cadáveres y se relacionará, con distinta
intensidad, con algunas mujeres muy misteriosas. Tratándose de una
"historia de detectives", no es conveniente revelar mas.
Es una pena que el cine no pueda todavía transmitir olores, ya que de
seguro la película se disfrutaría de otra manera pudiendo percibir el
aroma de la gran cantidad de bibliotecas misteriosas que aparecen en el film. Como casi siempre, Depp sobresale del resto por su gran desempeño, pero
Langella tiene lo suyo...esa voz al teléfono mete miedo. La fotografía, la música, y las locaciones son de lo mas disfrutable, así como también la atmósfera de misterio e intrigra permanentes.
Cálida, amada Y brutalmente violenta. El misericordioso retrato de una
familia de rituales y de honor. Una mirada profunda a los caudillos del
crimen. El hito de El Padrino trajo al mundo una crónica sin precedentes
del asenso de una familia siciliana al dominio del mundo de los
gángsters. Caracterizada por la revista Time como "Lo que el viento se
llevó" a la italiana, esta obra de dirigida magistralmente por Francis
Ford Coppola contó con un elenco que -en su mayoría novatos- pasaría a
la historia: Al Pacino, James Caan, Robert Duvall, Diane Keaton, y Talia
Shire. El papel de El Padrino, Don Vito Corleone, fue interpretado
magníficamente por Marlon Brando.
Según Francis Ford Coppola, "Mi primer contacto con El Padrino fue en el
New York Times, donde noté un aviso de un libro llamado The Godfather,
de Mario Puzzo, con el llamativo logo del titiritero en su tapa". Peter Bart, Vicepresidente de producción de Paramount, dice: "Sam
Peckinpah, un veterano de estas lides, quería dirigir la película. Sam
podía contar los cadáveres, "75 de esos vagos aniquilados en tan solo 20
minutos" decía. En cambio Francis no quería ningún tipo de violencia,
solo una crónica costumbrista de una familia italiana dentro del
capitalismo americano." Según Robert Evans, el productor de la película,
"El Estudio no quería a Coppola, nosotros lo impusimos porque era un
italiano de segunda generación, el único en toda la industria en ese
momento. Las películas de mafia hasta el momento no habían funcionado
porque las escribían y las dirigían judíos. Queríamos oler a spaguetti, y
solo un italiano podía hacerlo".
La Paramount no quería usar un presupuesto muy alto, probablemente por
eso contrataron a Coppola, un joven con problemas monetarios que fue
absorbido por el estudio. Iban a ambientar el film en los '70 para que
fuera realmente barata (1 millón y medio de dólares). La intención era
aprovechar el cuarto de hora de la novela y sacarla rápido. Pero a
Coppola esto no lo convencía, "En el guión, incluso había hippies. Yo
dije que había que ambientarla en los '40. Fue todo un problema, debido
al bajo presupuesto."
Había tres actores que tenían pasta para interpretar a Vito Corleone:
George Scott, Laurence Olivier y Marlon Brando. Pero para el Estudio,
Brando representaba varios problemas: era demasiado joven para el papel,
no era italiano y, debido a su fama de extremadamente complicado, nadie
quería trabajar con él. "En Paramount me sacaron a patadas cuando solo
contemplé esa opción. Igualmente, lo intenté -dice Coppola. El contacto
fue a través de Mario Puzzo. Fuimos a casa de Brando con una cámara de
16 mm. Marlon agarró servilletas de papel y se las puso en su boca,
"tiene que parecer un bulldog" decía. Además tiene que hablar con esa
voz rasposa... eso fue shockeante. Les mostré la cinta a los de
Paramount y dijeron "Increíble..."
Para el rol de Michael Corleone, querían usar a Robert Redford, Warren
Beatty o Ryan O'Neill, y Coppola les dijo "no me parecen muy italianos,
debemos ver la marca de Sicilia en su rostro. Sugerí a Al Pacino, que
era totalmente desconocido. Yo sabía que no lo querían, pero insistí.
Las pruebas no sirvieron de mucho. Me dijeron que era muy zaparrastroso,
que parecía una rata de canaleta y que no daba para hacer de estudiante
universitario. Entonces lo lleve a la peluquería y le dije al peluquero
"quiero que le haga un corte de pelo, tiene que volver a la
universidad". Alguien le susurró al peluquero que era el tipo que iba a
hacer de Michael Corleone en El Padrino y al peluquero le dio un infarto (literalmente). Lo llevaron al hospital y otro tuvo que terminar el
corte. En el estudio dijeron "se ve espantoso, parece un bicho". Yo me
cansé y les dije : "Yo soy el director, así que si no lo puedo usar, me
voy", y Robert Evans, el director de producción de Paramount me repondió
"Bueno, usen al enano." Coppola llamó al enano -Al Pacino- quien ya
había leído el libro, para una audición.
Para Pacino, "Fue un shock, aunque Francis no fuese un director
conocido. Mis emociones estaban mezcladas. Estaba excitado porque era un
proyecto enorme, pero la realidad de interpretar ese papel me
asustaba."
Otro que fue sometido a interminables pruebas fue James Caan, en el
papel de Sonny: "Un día me llama Francis -cuenta Caan- y me dice que
quería que hiciera una prueba. Otra mas! Yo ya estaba cansado de tantas
vueltas con El Padrino, además quería trabajar ya y tenía una película
en vista. Finalmente fui a Paramount e hice pruebas para prácticamente
todos los personajes, estaba asqueado y les dije "métanse la película en
el culo" y me fui a Chicago a filmar otra película". Talia Shire, la hermana de Coppola, interpreta a Connie Corleone:
"Cuando le pedí a Francis participar de la audición, se negó, no quería
tener un problema con el estudio, su trabajo no estaba seguro y lo único
que le faltaba era poner a su hermana en la película." Luego de tantas
pruebas, la producción aceptó el elenco propuesto por Coppola pero no
fue gratis: habían gastado 400 mil dólares que pudieron haber ahorrado
si hacían caso a los pedidos del director desde el principio.
Según Francis Ford Coppola, la luz debía ocultar los ojos de Don
Corleone, creando una sensación siniestra, manteniendo los interiores
oscuros. "Los ojos son un espejo del alma -dice Grodon Willis, director
de fotografía de El Padrino-, por eso los ojos de Don Corleone no debian
verse. Cuando eso se empezó a ver en la pantalla los que estaban
acostumbrados a ver películas de Doris Day se aterraron. Al Estudio
tampoco le gustaba en absoluto. Veían la misma escena una y otra vez y
no veían a nadie, solo siluetas. No lo supieron apreciar y ese fue el
primer síntoma por el que querían echar a Francis, pero ¡Ya habíamos
empezado el rodaje!"
El Padrino tiene muchas escenas de violencia, pero una de las que se
destaca es el asesinato de Sonny Corleone en el puesto del peaje,
inspirada en la extraordinaria matanza de Bonnie and Clyde, la película
de Arthur Penn. Sonny era un personaje tan fuerte que sus enemigos no
dejarían ninguna chance de dejarlo con vida, por eso la extrema
violencia de la escena. Para James Caan todo era desmesurado. "En esa
escena estaba muerto de miedo, me cosieron como 150 cohetes en el traje.
"Hey, ¡Que divertido es el cine!" pensaba yo. Tenía una cantidad
increíble de cables que me salían de la pierna y los tipos de los
efectos tenían un tablero con los contactos. De lo único que me acuerdo
es al jefe del equipo diciendo "Hice no sé cuantas películas y nunca le
puse tantos cohetes a nadie". Me alegró mucho oír eso." La escena de la cabeza del caballo en la cama fue muy polémica, la gente
parecía sorprenderse mas por el hecho de que hubiera una cabeza de
caballo a que hubiera 3 docenas de personas brutalmente asesinadas en la
película.
"El estudio no quería filmar la muerte de Corleone -cuenta Coppola. Solo
querían un funeral y listo. Un día, nos estabamos por ir a comer, se
estaba yendo la luz y Brando me dijo "intentemos algo, un jueguito que
hago con los niños". Puse dos cámaras en el jardín y Marlon hizo un
juego con su nieto en la ficción, en el que realmente lo asustó, el nene
se puso a llorar. Luego, Vito lo consuela y después se cae desplomado,
muerto. Esa escena nunca se habría filmado de no ser por él.
Junto a Rick, el personaje de Humphrey Bogart en Casablanca, Don Vito
Corleone de Marlon Brando debe ser el personaje más imitado en la
historia del cine. Líneas de diálogo como "Le haré una oferta que no
podrá rechazar", han obtenido status de leyenda. En cuanto a Michael Corleone, su transformación de "chico universitario
inocente" a "el nuevo Don Corleone" se liga directamente a la tragedia
Shakespeariana o Griega. Finalmente, este hombre que decía ser diferente
del resto de su familia, se vuelve más rudo que su propio padre. Para
Al Pacino, su personaje de Michael "es el más dominante de
todos los que actué y supongo que si soy recordado de alguna manera,
probablemente será por este personaje."
El escritor de la novela, Mario Puzzo, defiende a sus personajes y a su
obra describiéndola como "una gran combinación, una historia familiar y
una historia criminal. Muchas veces vemos a los personajes como buena
gente, como buenos padres de familia, buenos tipos, excepto que cometían
asesinatos de vez en cuando".
Cuando pasan los títulos finales de El Padrino, solo una parte de la
historia ha sido contada. La última imagen que vemos, el gesto de
sorpresa de Kay (Diane Keaton) al ver como le cierran la puerta en la
cara para venerar a su joven esposo, el nuevo Padrino. Estos dos planos,
acompañados por la inolvidable composición de Nino Rota, nos deja una
cicatriz que solo El Padrino parte 2, podrá curar. Raramente se puede decir que una película define un género, pero nunca
será mas cierto que en el caso de El Padrino. Desde entonces, todas las
películas de gángsters -desde Buenos Muchachos, Casino,
Scraface, Los Intocables y Carlito´s Way, Perros de La
Calle, Pulp Fiction, Miller´s Crossing, Donnie Brasco, entre otras- han sido juzgadas por los
standarts marcados por la obra de Coppola.
"En realidad -dice Coppola- nadie sabe si una película es buena o mala,
salvo si pasa la prueba del tiempo, ahí sabremos si es grande o no."
Dirección: Francis Ford Coppola Ficha Técnica: IMDB
Finalmente, la industria cinematográfica en los años sesenta, asume
definitivamente al jazz como miembro de su familia. Compositores
procedentes del jazz (Henry Mancini, Johnny Mandel, Lalo Shifrin, Quincy
Jones o Dave Grusin) se especializaron en la composición de música para
cine. En estas últimas décadas, las dos artes parecen haber encontrado
definitivamente un espacio juntas, especialmente con la colaboración de
importantes directores y productores de cine, a la vez fanáticos jazz.
Entre los casos mas destacados, se encuentran los de Martin Scorsese
(New York, New York, 1977), Francis Ford Coppola (Cotton Club, 1984),
Bertrand Tavernier (Round Midnight, 1986), Clint Eastwood (Bird, 1988),
Spike Lee (Mo’ better blues, 1991) Robert Altman (Kansas City, 1996) y
Woody Allen (Dulce y Melancólico, 1999).
PLAY MISTY FOR ME - CLINT EASTWOOD - EE.UU. - 1971
Primera película del director y gran aficionado al Jazz Clint Eastwood y
cuya banda sonora original es de Erroll Garner. Eastwood interpreta a
un disc-jokey radiofónico perseguido por una admiradora ansiosa por
escuchar una y otra vez el disco de Garner. Es admirable la forma en que el
director maneja el suspenso.
LADY SINGS THE BLUES - SIDNEY J. FURIE - EE.UU. - 1972
Basada en la autobiografía de Billie Holiday y protagonizada por Diana
Ross. El sello Motown fue parte de los inversores de la película
BLAZING SADDLES - MEL BROOKS - EE.UU. - 1974
Banda sonora grabada por la orquesta de Count Basie, que también aparece en la pantalla.
NEW YORK, NEW YORK - MARTIN SCORSESE - EE.UU. - 1977
Una cantante y un engreído saxofonista se tienden a duelo durante toda
la película. Excelente dirección a cargo del gran Scorsese, con Minelli y
De Niro recreando grandes clásicos del jazz. En este video vemos la
relación entre ambos
THE BLUES BROTHERS - JOHN LANDIS - EE.UU. - 1980
A los 73 años, Cab Calloway recibió un significativo homenaje del cine
en una absurda comedia de blues, soul y rock n’ roll. Desopilantes,
zarpados, desubicados, pero muy caraduras. Eso son los Blues Brothers,
junto a estrellas como James Brown, Ray Charles y John Lee Hooker.
"Shake your tail feather" es mi momento favorito de la peli.
COTTON CLUB - FRANCIS FORD COPPOLA - EE.UU. - 1984
Coppola se vuelve a meter con la mafia, pero con un soundtrack mas
jazzero. Magnifica película ambientada en el Cotton Club, un elegante
reducto en Harlem. Epoca de gángsters, drogas, alcohol y Jazz, que Coppola,
reconstruyó minuciosamente.
ROUND MIDNIGHT - BERTRAND TAVERNIER - Francia - 1986
Otra reconstrucción, esta vez del famoso club "Blue Note" de Paris.
Cuenta la historia de un saxofonista negro norteamericano en Paris en la
década del 50. "Dale Turner,", tal el nombre del personaje principal,
se basó en Lester Young. Quien lo interpretó, el saxofonista Dexter
Gordon fue nominado al Oscar como mejor actor, y
ganó el Grammy por el soundtrack "The Other Side of Round Midnight", en
la categoría Best Instrumental Jazz Performance. El solista de piano,
Herbie Hancock, ganó el Oscar por mejor música en un film y original
score.
Aca va la peli completa
BIRD - CLINT EASTWOOD - EE.UU. - 1988
¡Al fin! Por primera vez, una película que recoge con meticulosidad,
rigor histórico y sin concesiones a “lo comercial" la vida de uno de los
genios del jazz: Charlie Parker. Gracias a esta película, un buen
número de personas han podido descubrir la obra de Bird. Descollante
actuación de Forrest Withaker, enorme Clint Eastwood en la dirección.
Comparto con ustedes un momento en el que cualquier fanático de la música sueña estar: dentro del estudio de grabación
MO’ BETTTER BLUES - SPIKE LEE - EE.UU. - 1991
Una buena película basada en la vida de Winton Marsalis. Gran director (Lee) y gran actor (Denzel Washington).
The Bridges of Madison County - CLINT EASTWOOD - EE.UU. - 1994
Gran película de Eastwood con una portentosa banda sonora repleta de jazz intimista y rescatando al vocalista Johnny Hartman.
Jazz 34 - Kansas City - ROBERT ALTMAN - EE.UU. - 1996 Ambientada en la ciudad de Kansas City, este director de estilo tan
personal, retrata toda una época, partiendo con una Jam Session con
(actores interpretando a) Lester Young y Coleman Hawkins.
SWEET AND LOWDOWN - WOODY ALLEN - EE.UU. - 1999
Dulce y Melancólico narra la biografía de un personaje inventado por
Allen, Emmet Ray, un gran guitarrista de gypsy swing a la sombra de
Django Reinhardt.
CALLE 54 - FERNANDO TRUEBA - España - 2000
Un recorrido por el jazz latino. Fernando Trueba escogió a sus músicos
favoritos para este proyecto y se dedica a mostrarlos con todo su arte y
poderío. Con actuaciones y testimonios de Chano Domínguez, Paquito
D’Rivera, Jerry González, Tito Puente y otros. Es el unico documental
que me permito incluir, pues me parece una obra cumbre.
Algunos actores y directores dejan brevísimos conceptos sobre el
cine, y en algunos casos sobre SU cine en particular.
Orson Welles, 1965:
Teatro Vs. cine
En el teatro hay l.500 camaras rodando al mismo tiempo; en el cine no hay mas que una. Eso cambia toda la estetica del director.
James Stewart, 1976:
Hitchcock y el eterno cine mudo
Hitchcock no ve necesario el uso de las palabras en el cine, salvo que
sea absolutamente vital. Es un villano hacia las scripts girls y todo
aquel asistente que tenga que seguir los diálogos en el set. Recuerdo
una vez que una script le dijo “Sr. Hitrchcock, el Sr. Stewart no dijo
nada de lo que esta en el guión”, y el contestó “No importa, Sonó bien,
gramáticamente bien”.
Marlon Brando, 1976:
Elia Kazan, único director solidario
Elia Kazan es el mejor director con el que jamas he trabajado. Uno se
siente muy solo delante de las cámaras, y la mayoría de los directores
no te ayudan. Me refiero a ayuda emocional, si estas interpretando un
papel emocionalmente comprometido. Kazan es el único que conozco que
realmente te ayuda.
Marlon Brando, 1976:
Martin Scorsese, el mejor
Nunca he trabajado con, eh... el tipo que hizo Mean Streets, ¿cómo se
llama?... Si, Scorsese. Creo que es el mejor director americano que hay.
Tiene un talento sobresaliente. Usa a los actores de una manera muy
correcta, su intuición se lo permite.
Billy Bob Thorton, 2002:
El Hombre que nunca estuvo, en blanco y negro
El hecho de que El Hombre que nunca estuvo, se haya rodado en blanco y
negro, me motivó en mi actuación, porque pude regenerar mis impresiones
sobre actores clásicos de los años cuarenta y cincuenta, estrellas de un
Hollywood que añoro y que ya no se ven. El blanco y negro siempre hace a
la gente parecer más dulce. No te diría que seguí un modelo específico,
pero traté de emular a Montgomery Clift. Seguro que él lo hubiera hecho
mejor que yo.
Clint Eastwood, 1992:
Los Imperdonables y el fin de la violencia
Cuando convoqué a Gene Hackman para el papel, me dijo "no quiero nada
violento". Al igual que yo, Gene ya había tenido su cuota de violencia
en el cine. Le dije "Me gustaría que vieras este guión, es diferente. Es
mas, el mensaje es que la violencia no resuelve nada." Cuando lo leyó,
no dudó en aceptar.
Francis Ford Coppola, 1991:
Mi hija o Madonna
Cuando Winona Rider no pudo hacer El Padrnio III a ultimo momento,
Paramount estaba dispuesto a mandar a Madonna. ¡Tenía que ser la hija de
Diane Keaton y Al Pacino. Elegí a Sofia (Coppola) por casting, y si
Sofia no daba para el papel, no hubiese tenido problemas en elegir a la
maquilladora.
Steven Spielberg, 1998:
Es bueno divertirse
Para mí hacer películas escapistas es como una brisa de aire fresco.
Realizar una cinta comercial acerca de un dinosaurio caminando por las
calles de San Diego, es un gran alivio porque me da oportunidad de
escapar también. No deseo ser un cineasta especializado en Ciencias
Políticas. Es bueno llegar a trabajar en las mañanas y no tener que
preocuparse acerca de las repercusiones políticas o sociales y sólo
divertirse. Quiero decir que no me divertí haciendo "Amistad" ni "La
lista de Schindler". Pero disfruté como niño con las otras.
Suite Punta del Este, de Astor Piazzola, es la cautivante entrada para 12
Monos, de Terry Gilliam, predominante de visiones rudas, subterráneas y
sucias de la vida, características a las que el director canadiense nos
tiene acostumbrados. La historia es sencilla: en 1995 una plaga mortal mata a 5 billones
de personas; entonces, los animales se apoderaran de la superficie
terrestre, cuyo aire se torna irrespirable para los humanos, que deben confinarse varios metros debajo de la tierra. Cole (Bruce
Willis) viaja es enviado desde el futuro para conocer las
causas de la epidemia, y así poder encontrar un antídoto. En
este tiempo, Cole se cruza con una psiquiatra, la doctora Kathryn Railly
(Madeleine Stowe), y con un demente "niño bien", Jeffrey Goines (Brad
Pitt). Entre los tres, la película va avanzando con mucha violencia,
verdades, mentiras, confusiones, y muy buenos diálogos.
La película se basa en personajes extremistas, como Gilliam nos tiene acostumbrados. En "12 Monos", el
adrenalínico manejo de cámaras, el uso del gran angular, la dirección de los actores y otros ingredientes que suele utilizar el director canadiense, nos permiten identificarnos facilmente. Difícilmente haya otro director capaz de
imprimir su estilo en los actores en una forma tan extrema y personal;
sus personajes tienen características que a cualquier otro director en
otro contexto de película, se le podría reprochar: son contradictorios,
paradójicos y bordean la sobreactuación, pero la atmósfera que Terry
Gilliam crea, hace que los aceptemos sin titubear.
El guión de "12 Monos" fue escrito por David Peoples, autor de Blade
Runner, (Riddley Scott, 1983) y tiene una similar visión del futuro
cercano apocalíptico que comparte con Brazil.
En "12 Monos", Cole, es simple, confundido, mal informado, siempre
exhausto, y acosado por sus propios sentimientos de desesperanza,
desconfianza y enfrentamiento constante. Nada es para el lo que parece, en ningún momento de la película. Acostumbrados a ver a Bruce Willis en
papeles de héroes duros e impenetrables, le descubrimos aquí facetas
poco vistas. El habitual espacio para la locura lo ocupa la gran actuación de Brad
Pitt, con su compulsiva y poderosa visión paranóica -tomar como
referencia al fotógrafo interpretado por Dennis Hooper en "Apocalypse Now"
(1979, Francis Ford Coppola).
Mi escena favorita es cuando Cole y la doctora Railly se
refugian en un cine en el que se esta proyectando "Vertigo", de Hitchcock.
Luego, en sus propias vidas, se recrea la escena del bosque
petrificado, musicalizada con la misma composición que Bernard Herrman
creó para el director inglés. "12 Monos" es una oscura expedición, con momentos de acción, suspenso y
humor negro; una buena historia, excelentes actuaciones y la particular
dirección de Gilliam. Suficiente razones para no perdérsela.
"Alicia ya no vive aquí", el segundo largometraje de Martin Scorsese, llamativamente no se
focaliza en lo que sería la generalidad del cine del director (el crimen
y la violencia). Se trata de un muy interesante y dramático viaje de
una mujer en su metamorfosis de esposa sometida a viuda liberada. El film detalla el viaje liberador de una mujer que
accidentalmente debe cambiar su vida y se encuentra ante la paradoja de
llorar por su marido muerto o alegrarse de que todavía tiene tiempo de
ser feliz.
En esta película, Scorsese retrata tanto el sufrimiento y el
esfuerzo de Alice contra un mundo machista, como la alegría que siente
al comenzar a ver sus objetivos cumplidos (en especial el de
desempeñarse como cantante profesional) fruto de su propio esfuerzo. Los protagonistas son Ellen Burtstin, Harvey Keitel, Kris Kristofferson y la pequeña Jodie Foster. El guión (de Robert Getchell) esta lleno de detalles bien observados y
sumamente creíbles, así como también mucho de comicidad al mostrar
experiencias tan cotidianas como largas recorridas ruteras en auto,
audiciones, y especialmente las destrezas de Alice como mesera.
En la primera entrega de este informe, detallamos cómo Hollywood
desaprovechó al jazz en los comienzos del cine sonoro. Será recién en el
cine francés donde primero se utilice esta música en serio, a finales
de los 50. Con la revolucionaria corriente denominada "Nouvelle Vague",
el jazz fue usado como fondo dramático de los filmes. La punta del
iceberg de ese cambio, fue "Ascenseur pour L'échafaud" de Louis Malle
(1957), cuya banda sonora estuvo a cargo de Miles Davis.
También el jazz actuó de ambiente para gran parte del cine negro, tanto
francés como americano, en especial gracias a Art Blakey y sus Jazz
Messengers, que participaron de varias películas francesas del film
noir.
ASCENSEUR POUR L'ÉCHAFAUD - LOUIS MALLE - Francia - 1957
En un aparte de su carrera discográfica, Miles Davis de gira por Europa,
es invitado por el cineasta francés Louis Malle para que le ponga
música a la película que está dirigiendo. Miles acepta el encargo y
después de visionar la cinta una sola vez, hace que se la vuelvan a
pasar y de un tirón graba la música sobre las imágenes de la película.
El resultado es sorprendente.
DES FEMMES DISPARAISSENT - EDOUARD MOLINARO - Francia - 1958
En este film, además de Art Blakey está la trompeta del genial Lee Morgan.
I WANT TO LIVE - ROBERT WISE - EE.UU. - 1958
Magnifica película de cine negro americano. El film abre con una banda tocando en vivo, compuesta por Art
Farmer (trompeta), Frank Rosolino (trombón), Bud Shank (saxo alto), Gerry Mulligan (saxo barítono), Pete Jolly (piano), Red Mitchell
(contrabajo) y Shelly Manne (batería).
LES TRICHEURS - MARCEL CARNÉ -
Francia - 1958
Aquí participan de la banda sonora Coleman Hawkins, Dizzy Gillespie,
Lionel Hampton, Stan Getz, Roy Eldridge y Mezz Mezrow. Imperdible.
ST LOUIS BLUES - ALLEN REISNER - EE.UU. - 1958
Hollywood, siguiendo con lo biográfico, convoca a Nat King Cole, para interpretar al legendario William. C. Handy.
THE SUBTERRANEANS - RONALD McDOUGALL - EE.UU. - 1959
Gerry Mulligan participo con su grupo en esta película basada en la novela de Jack Kerouac como actor y músico. SHADOWS -JOHN CASSAVETES - EE.UU. - 1959 El padre del cine independiente norteamericano, utiliza una gran banda sonora en una película de gran intensidad. Las emociones humanas, un tema permanente en la filmografía de Cassavetes, ambientadas con Jazz. Cassavetes filmó la película 2 veces shot the film twice, en 1957 y en 1959. La segunda versión es la favorita del director. La idea de Cassavetes era que la primera versión tubiera música de Charles Mingus, pero el contrabajista nunca se presentó en el estudio. Finalmente, el encargado del soundtrack fue Shafi Hadi, el saxofonista de Mingus.
ANATOMY OF A MURDER - OTTO PREMINGER - EE.UU. -1959En este excelente policial negro, James
Stewart interpreta a un detective que tambien es pianista de jazz. La
banda sonora esta a cargo de Duke Ellington que en una escena toca el
piano junto a Stewart.
EL CENICIENTO - FRANK TASHLIN - EE.UU. - 1960
La Orquesta de Count Basie grabó la Banda sonora de esta película.
PARIS BLUES - MARTIN RITT - EE.UU. - 1961
Esta vez, la Banda sonora la realizó Duke Ellington.
THE COOL WORLD - CHIRLEY CLARKE - EE.UU. - 1963
Banda sonora a cargo de Dizzy Gillespie
HELLO DOLLY! - GENE KELLY - EE.UU. - 1969
Una hermosa comedia musical de calidad con Louis Armstrong como estrella invitada.
Próxima entrega: Se consolida definitivamente la relación de la mano de directores como
Martin Scorsese, Woody Allen, Robert Altman y Clint Eastwood.
Es una pena que el cine no pueda todavía transmitir olores, ya que de
seguro la película se disfrutaría de otra manera pudiendo percibir el
aroma de la gran cantidad de bibliotecas misteriosas que aparecen en el film. Como casi siempre, Depp sobresale del resto por su gran desempeño, pero
Langella tiene lo suyo...esa voz al teléfono mete miedo. La fotografía, la música, y las locaciones son de lo mas disfrutable, así como también la atmósfera de misterio e intrigra permanentes. 
